Что значит свести трек
Сведение музыки. Пошаговая инструкция
Сведение – это не только искусство, но и ключевой этап, который превращает набор дорожек в законченное музыкальное произведение. Хороший микс поможет выявить в музыке все самое лучшее – подчеркнуть наиболее важные элементы композиции, добавить какие-нибудь сюрпризы, чтобы порадовать слушателя, а также, хороший микс будет прилично звучать на любом оборудовании, от моно радиоприемника до безумного аудиофильского комплекта аппаратуры.
Теоретически, сведение музыки должно быть простым: просто настраиваем регуляторы, пока все не зазвучит так, как надо. Однако, хорошего звучания практически невозможно добиться случайно. Сведение – такой же сложный процесс, как игра на музыкальном инструменте. Давайте же попробуем разобраться, что же такое сведение и попробуем как-то структурировать этот процесс. Точка отсчета
Начать сведение трека можно с прослушивания идеально, на ваш взгляд, звучащих, музыкальных примеров, желательно в том же или похожем музыкальном стиле. Фокусируйтесь не на музыке, а именно на сведении. Обратите внимание, что даже в очень плотном миксе вы можете различить партию каждого инструмента, поскольку она находится в своем пространстве. Также обратите внимание на равномерность частотного баланса: высокие частоты должны звучать ярко, но не пронзительно, а бас должен быть убедительным, но не загрязняющим и не маскирующим остальные звуки. Также запомните относительный уровень основных инструментов, таких как ударные и вокал.
Содержание
Уровень мониторинга [ править ]
Сведение на высокой громкости утомительно для ушей. Сведение музыки на низкой громкости позволяет дольше сохранять уши свежими и минимизирует усталость. Самый идеальный вариант – периодически менять уровень громкости при сведении, чтобы лучше представлять, как микс ведет себя на разных громкостях.
Сводить в наушниках может показаться хорошей идеей, так как они избавляют от внешнего шума и хорошо выявляют детали, но лучше прибегать к ним для проверки чистоты звука, а сводить, все-таки, на мониторах. Это связано с тем, что, во-первых, наушники склонны слишком все преувеличивать, а во-вторых, в них сложно адекватно настроить стерео-картину.
Аранжировка [ править ]
Перед тем как приступать к сведению, внимательно изучите аранжировку. Поймите, какие места могут быть проблемными, какие нужно подчеркнуть, что в этой композиции главное, что второстепенное, и так далее. Не будет лишним составить что-то вроде “списка что необходимо сделать”.
Сведение музыки: инструкция в 12 шагов [ править ]
Хотя четких правил сведения музыки не существует, пока у вас не выработался свой собственный стиль сведения, есть смысл использовать некоторые ориентиры. В процессе сведение вы выполняете множество настроек. Есть как минимум двенадцать основных шагов, которые надо пройти в процессе построения микса. Разумеется, разделение условно и эти «шаги» постоянно пересекаются. Например, изменяя какую-то настройку эквалайзера, вы тем самым воздействуете на громкость.
Давайте же рассмотрим эти двенадцать шагов:
1. Ментальная подготовка
Процесс сведения может быть долгим, поэтому подготовьте для себя удобное рабочее место. Если у вас нет хорошего компьютерного стула с поддержкой спины – купите его, здоровье дороже. Приготовьте лист бумаги для заметок. Приглушите свет, чтобы вниманию было проще сосредоточиться на звуке. Не курите марихуану в процессе сведения и перед ним. Делайте перерывы (каждые 45 – 60 минут), чтобы дать ушам отдохнуть. Это может показаться роскошью, если вам платят за студийное время, однако, даже пара минут отдыха восстановит объективность вашего восприятия, и, в результате, на весь процесс сведения уйдет меньше времени, как ни парадоксально это звучит.
2. Организация треков
Подпишите все треки и каналы (не важно, в софте вы сводите или на железном микшерном пульте). Организуйте и упорядочите их логически. Это сэкономит массу времени и сделает процесс сведения более комфортным. Если треков много, правильность и удобство группировки – это критически важный этап.
3. Наденьте наушники и удалите щелчки
Удаление щелчков требует активности левого полушария мозга, в то время как творческий процесс сведения – это работа правого полушария. Смешивание этих процессов может препятствовать творческой активности, поэтому всю рутинную работу лучше выполнить сразу, чтобы потом не возвращаться к ней. Кстати, эту часть работы как раз лучше выполнять в наушниках. Также есть смысл понизить шум на тех дорожках, где это реально. Артефакты звукового тракта могут показаться незначительными на отдельных треках, однако в сумме они могут стать заметными, что не есть хорошо.
4. Оптимизируйте все источники звука
Если в вашем треке используются синтезаторы, постарайтесь настроить их звучание на как можно более раннем этапе. К примеру, не стоит подключать внешние эквалайзеры, если достаточно подкрутить filter cutoff.
5. Баланс громкостей
Не надо добавлять никаких эффектов и обработки, пока не настроен общий приблизительный баланс громкостей – не позвольте левому полушарию помешать творческому процессу! Попробуйте включить моно режима для всех треков. Если инструменты звучат хорошо сбалансировано в моно – в стерео они только выиграют. Также, если вы будете сразу работать в стерео, вы можете не заметить частотные и громкостные конфликты между инструментами.
6. Настройка эквалайзеров
Эквалайзеры могут помочь подчеркнуть различия между инструментам и улучшить звуковой баланс. В первую очередь поработайте с наиболее важными элементами микса (вокал, ударные, бас), и, когда они будут хорошо звучать вместе, переходите ко второстепенным вещам. Частотный диапазон ограничен, и в идеале, каждый инструмент должен найти свою частотную нишу, чтобы при сочетании с остальными инструментами стать частью полного звукового спектра. Одна из причин, по которой лучше начинать сведение с барабанов, заключается в том, что ударные инструменты занимают значительную часть частотного диапазона, от бочки до тарелок и перкуссий. Когда все ударные инструменты правильно настроены, с остальными становится значительно проще разобраться. Изменение настроек эквалайзера на одном треке может повлиять на звучание другого трека. Например, если сильно поднять середину у фортепиано, оно может начать конфликтовать с вокалом. Иногда поднятие какой-то частотной области в одном инструменте может требовать вырезания или понижения громкости той же области в другом инструменте. Например, для подчеркивания вокала можно слегка прибрать «вокальные» частоты у других инструментов, вместо того, чтобы обрабатывать эквалайзером вокал. Думайте о композиции как о спектре, и планируйте, какой звук вы хотите куда посадить. Иногда есть смысл использовать анализатор спектра, однако не забывайте, что основной ваш инструмент при сведении – это уши, а не глаза. Если вы очень хотите подчеркнуть какой-то звук – попробуйте слегка приподнять его в районе от 1 до 3 кГц. Если хотите отодвинуть звук подальше – понизьте высокие частоты на соответствующей дорожке. Также есть смысл вырезать либо понизить низкие частоты инструментов, в которых они не нужны, чтобы освободить место для баса и бочки.
7. Основная обработка
Под «основной» имеется ввиду такая обработка, которая радикально меняет звук либо привносит в него что-то новое. Например, добавление эхо или какой-нибудь дисторшн, и так далее.
Теперь пришло время расставить инструменты в стерео поле. Тут может иметь место как традиционный подход (основанный на реальном расположении инструментов во время концерта), так и что-то радикальное. Панорамируйте сигналы аккуратно, избегайте крайних положений регулятора панорамы. Бочку и бас оставьте в центре: в низких частотах содержится максимум энергии, поэтому ее нужно распределить равномерно. При панорамировании остальных инструментов следите за балансом. Если что-то оказалось справа, значит, что-то другое должно оказаться слева.
9. Финальная коррекция аранжировки
Постарайтесь минимизировать количество соревнующихся инструментов, чтобы держать внимание слушателя сфокусированным. Вы можете очень гордиться каким-нибудь звуковым эффектом, но, если он не является необходимым в конкретной композиции, избавьтесь от него. И наоборот, если кажется, что чего-то не хватает, постарайтесь восполнить пробелы. Не стоит восхищаться своей работой, пока она не закончена. Постарайтесь быть максимально объективным.
10. Добавляем глубину
Теперь, когда все ваши инструменты нашли свое место в стерео картине, пришло время добавить третье измерение – глубину. Начинайте аккуратно добавлять к звукам задержки и реверберацию. Избегайте многопространственности (особенно при сведении живой музыки). Кроме того, не пытайтесь улучшить звук при помощи реверберации: лучше вернуться назад и подкрутить настройки синтезатора или эквалайзера.
11. Тонкая настройка
Теперь, когда все в целом звучит готово, перепроверьте настройки всех каналов: громкость, настройки эквалайзеров, эффектов, и внесите необходимые корректировки. Не перестарайтесь – музыка далеко не всегда выигрывает от стерильности звучания, а также, не стоит вносить изменения, которые не заметит никто, кроме вас.
12. Проверяйте свой микс на разных аудиосистемах
Перед тем, как «подписаться» под своей работой, проверьте, как она звучит на разных аудиосистемах. От студийной аппаратуры до автомобильной системы.
Техники гармонического сведения для диджеев.
Умелое использование эффектов, разные техники тёрнтейблизма, такие как скретч или бит-джагглинг, гармоническое сведение, правильный подбор плейлиста, изменение скорости или стиля — это, пожалуй, лишь часть из того, что можно начать использовать, если надоело просто ставить треки друг за другом. Ведь при наличии всех этих кнопок синхронизации и прочих функций упрощения у диджея появляется масса времени, которое можно выделить на использование продвинутых техник.
Как известно, хороший микс — это путешествие, но как грамотно провести слушателя по всей истории без лишних запинок и препятствий?
Одной из продвинутых техник, которые могут в этом помочь, является гармоническое сведение. Этот способ раньше был доступен только диджеям с хорошим слухом или со знанием музыкальной теории, а сейчас, благодаря внедрению софта с функцией определения тональности, его могут использовать все, даже самые начинающие.
Основой данного подхода является знание о законах гармонии. Испокон веков лучшие музыканты изучают взаимодействие между нотами, и уже достаточно давно стало ясно, что существуют определённые правила. Это математика в чистом виде, и это один из лучших ответов на обычный школьный вопрос:»Где мне это вообще пригодится по жизни?» Если вы серьёзно увлечены музыкой, рано или поздно вы задумаетесь о необходимости изучить законы гармонии более подробно, а сейчас мы пробежимся по чисто прикладным способам, которые помогут любому диджею.
Итак, если верить музыкальной теории, в основе каждого трека лежит какая-либо тональность. Есть 7 основных нот, которые в разных модификациях дают 12 ступеней. От каждой из этих ступеней можно построить последовательности, которые зовутся ладами, самыми популярными являются мажор и минор. Обозначение ноты и лада называется тональностью. Например, если трек написан в тональности До мажор, это значит, что большинство его мелодических линий и аккордов сочетаются с ключевой нотой (тоникой) До и состоят из ступеней, гармонирующих с мажорным ладом.
Звучит сложновато? Всё нормально, дальше будет очень просто 🙂
В зависимости от сочетания тональностей, треки вместе могут звучать как отлично, так и не очень. В лучшем случае вы получите красивейший мэшап, когда гармонии и мелодии из одного трека будут сочетаться с подобными из второго, а слушатель, возможно, даже не будет догадываться, что играет несколько композиций одновременно. В худшем же какие-то ноты из двух треков будут при наложении друг на друга создавать так называемые диссонансы — неприятно звучащие сочетания тонов.
Описанные дальше техники позволят вам повысить вероятность удачного гармонического сведения с минимумом диссонансов.
Для работы нам понадобится вот такое колесо Camelot System, которое придумали ребята, создавшие известную программу определения тональности Mixed In Key. По сути, это колесо является упрощённой версией кварто-квинтового круга, широко известного среди музыкантов с академическими знаниями.
Базовое гармоническое сведение
2. Включаем трек в любой тональности, например, в 7A.
В первую очередь, мы можем свести его с треком в такой же тональности, то есть, 7A. Если подходящих не нашлось, то смотрим на колесе соседние по кругу тональности — с любой из них мы можем сводить. В нашем примере мы можем выбрать треки 6A или 8A. Если бы у нас был трек в 7B, нашим выбором были бы 7B, 6B и 8B.
Всё, в этом вся базовая техника гармонического сведения. Видите, как всё свелось до взгляда на картинку и простого сопоставления?
Но было бы странно, если трек можно свести только с соседними по кругу — это сильно ограничивает. Давайте двигаться дальше.
В тракторе используйте функцию сортировки по тональности
Переход между ладами
Если вы играете электронную музыку, то, скорее всего, большинство треков в вашей библиотеке имеют минорную тональность, так уж повелось среди электронщиков. Конечно, есть и мажорные треки, которые обязательно нужно использовать, но сведение между треками в разных ладах может показаться небольшим испытанием, если хочется сохранить гармонию.
Простым вариантом является такой — оставить номер, а букву поменять с A на B или наоборот. То есть, если смотреть на колесо, то нужно перейти от внешнего круга ко внутреннему или от внутреннего к внешнему.
Посмотрите на немного дополненное колесо, чтобы понять, о чём речь. В нашем случае 7A (Ре Минор или D minor) содержит те же ноты, что и 7B (Фа Мажор или F major), так что треки в этих тональностях при сведении будут звучать гармонично.
Дополненное колесо камелота
Итак, базовое сведение и переход между ладами позволяет нам двигаться на соседние ячейки колеса:
Пример для тональности с кодом 2A
Ещё один метод
Этот приём можно использовать, совершая сведение во время барабанных сбивок и моментов с минимумом мелодий, чтобы не было слышно особых диссонансов.
Данный метод очень интересен с точки зрения музыкальности и повествования, обязательно попробуйте его.
Сведение с эмоциональным подъёмом
Сведение на коротком лупе
Чтобы создать переход между треками, который позволит сделать нам длинное сведение, в одном из треков сделайте короткую петлю на одном аккорде, желательно, который играет в тонике (основан на ключевой ноте), и уже после этого вводите второй трек любым из описанных выше способов.
Перед сведением убедитесь, что петля с аккордом не содержит таких нот, которые при наложении зазвучат плохо.
Подводя итог, скажем — вся эта теория послужит вам отличным подспорьем, но в первую очередь используйте свой слух и внимательно оценивайте ситуацию. Заранее проверяйте все сочетания треков, лучшие запоминайте или записывайте. Надо понимать, что использование описанных приёмов не даёт гарантии отличного сведения, ведь хоть набор нот и совпадает, гармония в треках может строиться совершенно разным способом и аккорды играют в таком порядке, с которым при наложении создаются ненавистные нам диссонансы. Даже если по номерам и буквам всё должно звучать хорошо, а на практике получается каша, смело ищите другой вариант, ориентируясь только на свои ощущения, развивайте своё внутреннее чувство гармонии.
Что значит свести трек
Пожалуй, сведение музыки – одна самых щекотливых тем, связанных с музыкальным производством. Прежде всего, потому что единого рецепта, как правильно делать сведение, не существует. В конечном итоге результат в большей степени зависит не от способов и алгоритмов, а от подхода конкретного специалиста, который делает это сведение. От его художественного видения результата, от его вкусов и предпочтений.
В разные эпохи развития современной музыки применялись совершенно разные технологии микширования. К примеру, на заре стереофонии разведение барабанов и баса в разные стороны по панораме считалось нормой, и до сих пор многие записи тех времен радуют слушателя. Кроме того, раньше, когда ресурсы носителей были ограничены количеством дорожек на пленке, продюсеры были вынуждены перекидывать группы записанных инструментов или голосов в промежуточный микс, а финальное сведение делалось уже из этих промежуточных дорожек. Тем не менее, музыка тех лет для многих остается актуальной, интересной и любимой.
АКАДЕМИЯ МЮЗИКМЕЙКЕРА
Книга А. Данилова о создании музыки
Сегодня ресурсы музыканта, даже в условиях домашней студии звукозаписи, практически не ограничены. За вполне вменяемые деньги можно приобрести оборудование, которое позволяет делать записи на достойном уровне. Безусловно, с одной стороны это большой плюс, поскольку благодаря развитию технологий многие не слишком богатые исполнители могут записать песню или даже выпустить собственный альбом. Но если взглянуть с другой стороны – оказывается, что подобные тенденции развращают музыканта, делают его неспособным критически смотреть на собственное творчество. Ведь если ты можешь без затруднений добавить еще 2-3 дорожки в аранжировку – ты непременно это сделаешь. Такова природа музыканта, мы – максималисты, нам кажется, что именно эти дополнительные дорожки позволят, наконец, аранжировке зазвучать богато, современно и уникально. К сожалению, на двух-трех дорожках редко останавливаются, и аранжировки пестрят дублирующими друг друга партиями, звуками со схожим спектром, и просто мусором, за которым становится сложно расслышать музыку.
Сегодня я хочу немного рассказать о том, что такое сведение музыки, для чего оно нужно, из чего состоит и как делается. Большинство из того, что здесь будет сказано, это либо мой собственный опыт, либо опыт моих коллег и старших товарищей, которым они любезно делятся. Я надеюсь, они не будут против, что я делюсь этой информацией с читателями блога. Заранее хочу предупредить, в статье не будет раскрыто никаких страшных тайн, благодаря которым каждый сразу же сможет сделать сведение «на грэмми». Просто никаких тайн не существует. Все, что вы прочитаете, вам придется пропустить через призму собственного опыта, и возможно после этого некоторые вещи вами будут пересмотрены и переоценены.
Как и почти всегда, статьи рождаются из-за огромного количества однотипных вопросов в мой адрес. Вопрос «как свести трек?» мне приходится слышать с завидной регулярностью. Ответить на него в двух словах невозможно, да и вообще сложно давать какие-либо универсальные рекомендации на эту тему. Ведь в каждом конкретном случае очень много нюансов – от жанровой принадлежности композиции и до акустических условий вашей домашней студии. Тем не менее, я постараюсь максимально коротко и емко рассказать о том, какие действия и в какой последовательности нужно проделать при работе над сведением, а также чего желательно избегать. Большая часть рекомендаций годится для сведения музыки практических всех жанров – будь то рок, танцевальная или электронная музыка. Исключениями, наверное, будут разве что классическая музыка и традиционный джаз.
Ну и самый важный момент – любые знания так и останутся всего лишь знаниями, если не пользоваться ими творчески. Эксперименты знающего человека на первый взгляд могут показаться хаосом, но только их результат даст слушателю понять, что каждое движение ручки на пульте было сделано не просто так. Важно знать правила, чтобы нарушать их грамотно.
Что такое сведение музыки
Итак, как свести трек. Для начала, хочу уточнить, что само по себе слово «трек» лично мне не очень нравится. Трек – это не песня, не композиция, это просто техническое обозначение потока звуков в определенный временной промежуток. Но, раз уж это слово так прочно закрепилось в современном музыкальном жаргоне, придется с этим считаться. Условно, будем называть словом «трек» некий материал, представленный набором инструментальных или вокальных дорожек, объединенных общей музыкальной концепцией и эмоциональным окрасом.
На стадии сведения мы имеем дело с уже практически завершенной аранжировкой. Конечно, какие-то партии в процессе сведения могут корректироваться, добавляться или выкидываться, но в целом большая часть работы с партиями позади. Теперь наша задача добиться того, чтобы:
Следующая фраза – одна из самых важных в этой статье, и на нее стоит обратить особое внимание. В идеале хорошее сведение заключается в простом выстраивании баланса инструментов и в создании общей пространственной картины с помощью панорамы, ревербераторов и линий задержки (дилеев). Все остальное – лишь креативные элементы. Поэтому желательно, чтобы еще на стадии аранжировки все звуки были хорошо подобраны. Чтобы между ними не было конфликтов, которые придется устранять на сведении.
Перед сведением
Теперь можно сказать, что проект вычищен и подготовлен. Пора переходить непосредственно к сведению. Главный инструмент на сведении, помимо ваших собственных ушей, это мониторная система. Если с этим у вас все в порядке, то проблем в работе не возникнет. Если же вы не уверены в своих мониторах или только ищете решения, можете обратить внимание на еще одну статью, в которой я немного рассказал про Мониторы для сведения.
Помните. Чем менее качественно записан материал, с которым вам предстоит работать, тем более качественным должен быть мониторинг.
Этапы сведения трека
Основных этапов четыре:
Баланс
Для корректной работы с балансом необходимо иметь детальные контрольные мониторы ближней зоны с хорошим динамическим диапазоном. Многие колонки из-за конструктивного несовершенства не воспроизводят некоторые частоты ниже определенного уровня громкости. В результате может получиться, что отдельные инструменты после сведения трека будут звучать громче или тише, чем вы предполагали.
При выстраивании баланса инструментов нужно руководствоваться следующими принципами:
Панорамирование
После того как вы выстроили баланс инструментов, пришло время каждый звук локализовать по горизонтали. Избегайте радикальных значений панорамы, старайтесь заполнять ее ширину равномерно. Крайние значения лучше оставить для обработки – ревербераторы и хорусы прекрасно займут эту нишу. Продумайте заранее, где вы хотите поместить каждый конкретный инструмент. Если у Вас остались дорожки, записанные в стерео, определите для них зону звучания, задав значения левого и правого канала.
Если речь идет о гитарных дабл-треках или о синтезаторных подкладах, то эта зона может быть широкой, например, L(-90), R(+90) (по 90 процентов влево и вправо по панораме). Если же речь о звуке фортепиано в насыщенной аранжировке, или о других инструментах, требующих более строгих панорамных очертаний, можно задать значения, к примеру, L(-45), R(-25). Таким образом, оба канала инструмента будут звучать с левой стороны, и панорама будет иметь свою определенную ширину.
Разведите по панораме элементы ритмических партий, например перкуссию. Часто бывает, что два инструмента со схожим спектром играют разные ритмические рисунки, и в этом случае помещение их в разные стороны по панораме позволит решить проблему их спектрального конфликта и даст дополнительное оживление ритмической фактуре, то есть грув. По такому же принципу можно панорамировать два синтезаторных звука, или ритм-гитару и фортепиано.
Центр панорамы должен быть занят основными инструментами. По центру в большинстве случаев звучит солирующий вокал, любые солирующие инструменты (синтезаторные, гитарные, саксофонные и другие соло), а также бочка и бас. Малый барабан, в зависимости от жанра, может быть важным инструментом, а может второстепенным. В соответствии с этим, иногда его можно сдвигать чуть вправо или влево от центра. При этом очень важно следить, чтобы не было перекоса по общей громкости звучания двух каналов вашего микса. Помним, что малый барабан – это громкий инструмент, и увод его даже на десять-пятнадцать процентов влево сделает RMS правого канала заметно меньшим.
Основное правило при выстраивании панорамной картины вашей музыки, заключается в следующем: инструменты, преимущественно звучащие в нижнем регистре, располагаются ближе к центру; инструменты, занимающие верхний регистр, располагаются по флангам; инструменты среднего частотного диапазона – в промежутках между центром и флангами, в соответствии с их тоном – чем ниже, тем ближе к центру.
Игнорировать это правило, конечно, можно. Но результат может вас не порадовать. Правило родилось не на ровном месте, а исходя из физических характеристик звука, колонок и природы нашего слуха.
Длинные волны (низкий регистр) несут в себе больше энергии, чем короткие (высокий регистр), распространяются на большие расстояния, легко преодолевают преграды в виде стен или загородок, почти не угасают при отражениях.
Из этого можно сделать два вывода. Во-первых, низкочастотные звуки составляют энергетическую основу произведения. Во-вторых, локализация источника низких частот в пространстве затруднена. Так что, смещение басов по панораме даст нам дисбаланс, нехватку энергии в одной из колонок, общую потерю характера звучания. Но локализовать звук по панораме все равно не получится, потому что слух, как уже было сказано, не способен четко идентифицировать в пространстве источник звучания низких частот.
Поэтому все-таки желательно придерживаться этой нормы. Любые заполняющие инструменты с низким регистром (арпеджио, секвенции, нижние голоса бэк-вокала и так далее) помещаем ближе к центру, любые заполняющие инструменты с высоким регистром (партии струнных, высокие секвенции, высокие голоса бэк-вокала, дудки, высокочастотную перкуссию и так далее) – дальше от центра.
Спектральная обработка
Под спектральной обработкой подразумевается, прежде всего, эквализация. Хочу напомнить, что эквализация – это практически всегда деструктивное вмешательство в звук. Как бы вам ни хотелось верить, что «на сведении можно поправить эквалайзером», это самообман. Эквалайзер на сведении – это инструмент по исправлению грубых ошибок, и как любой инструмент он оставляет следы своего вмешательства, которые могут оказаться еще менее музыкальными, чем изначально.
Качественные аналоговые эквалайзеры и фильтры стоят очень дорого, и в большинстве случаев нам приходится иметь дело с их программными эмуляторами, выполненными в цифровой среде. Естественно, это всего лишь костыль, и применять его нужно тогда, когда без него обойтись невозможно.
Поэтому, прежде чем резать частоты эквалайзером, проверьте – может быть есть возможность что-то изменить в тон-генераторе или в партии, чтобы избежать спектральных вмешательств. В этом случае, конечно, очень хорошо, если работа ведется большей частью в миди. Можно сменить пресет, можно дорулить звук, изменить настройки фильтра в синтезаторе, можно перекинуть партию в другую октаву, сменить расположение аккордов, выкинуть из аккорда одну ноту и так далее. Если работа идет с аудио – всего этого сделать уже невозможно без переписывания партии.
В случае с гитарами или вокалом – желательно заранее предвидеть место этих партий в сведении, чтобы соответствующим образом настроить микрофон, предусилитель, комбик на стадии записи.
Ну а если все уже записано, и вариантов кроме эквализации нет – нужно запомнить важные правила при работе с эквалайзерами. Если Вы не слишком хорошо ориентируетесь в различиях типов эквалайзеров и в основных параметрах эквализации, перед тем как двигаться дальше ознакомьтесь с материалом Эквалайзеры.
Основные принципы эквализации
Приемы работы с эквалайзером на сведении
Для упрощения поиска конфликтной частоты или резонанса можно использовать простой прием:
выставляем добротность на максимум;
выставляем гейн существенно в плюс (+6 и более);
выделяем регион, в котором надо найти резонанс, и воспроизводим в режиме loop;
медленно двигаем значение несущей частоты (герц) влево и вправо, дожидаясь, пока эквалайзер не начнет уходить в клип (обычно это сопровождается хрипом и искажениями);
найдя частоту, фиксируем ее, и затем понижаем добротность до нужного значения, а гейн убираем в минус.
Не переусердствуйте с этим приемом, иначе можно получить большое количество грязи и новых резонансов. В одном звуке убирайте не более одной-двух конфликтных частот. Если их больше – лучше пересмотреть принципиальную необходимость этого звука в аранжировке.
Автоматизация
Чтобы снизить негативное воздействие эквалайзеров, не игнорируйте такую вещь как автоматизация. При работе с плагинами в цифровой среде у звукорежиссера обычно есть возможность назначать изменение параметров этих плагинов в реальном времени. Назначьте соответствующие контроллеры, и активируйте их только в тех местах, где это необходимо. Это поможет решить сразу несколько проблем:
Пространственная обработка
Пространственная обработка – это этап, на котором уже готовый, сбалансированный и вычищенный микс обретает целостное звучание. Использование различных приборов и программ на этом этапе можно условно разделить на два направления.
Во-первых, любой эффект может использоваться как креативный элемент, изюминка музыкальной ткани. Один из самых известных примеров творческого использования ревербераторов – так называемый «эффект Фила Коллинза», а по-простому – гейтированный ревер на малом барабане. Послушайте, например, один из его суперхитов, «Another Day in Paradise». С помощью ревербератора малому барабану придается яркий хвост, который обрывается захлопыванием гейта. Еще пример – художественное применение дилеев – послушайте песни Queen «Prophet’s Song» и «Now I’m here». Повторения на голосе и на гитаре, в первую очередь, относятся к драматургии произведения, а не к пространственной обработке.
Во-вторых, с помощью определенных алгоритмов и процессоров можно задавать определенным звукам локализацию в пространстве микса. То есть создавать ощущение у слушателя, что тот или иной инструмент находится ближе или дальше, и даже выше или ниже.
Основные методы локализации инструментов сводятся к использованию таких приборов как:
К сожалению, в рамках одной статьи очень сложно охватить большие массивы информации. Поэтому здесь я вкратце расскажу, за что на этапе пространственной обработки отвечает каждый из перечисленных алгоритмов. А через некоторое время постоянные читатели блога смогут ознакомиться с более подробным материалом, посвященным исключительно этому этапу сведения.
Ревербераторы
Дают ощущение объема благодаря имитации отражений. Различные алгоритмы реверберации позволяют имитировать либо помещения, в которых происходит запись (hall – зал, room – комната), либо средства пространственной обработки, которыми пользовались задолго до появления цифровых процессоров (chamber – эхо-камера, plate – листовые реверберторы, spring – пружинные ревербераторы).
Тем, кто хотя бы немного знаком со звукозаписью, значение слова «реверберация» должно быть понятно. Ревербераторы дают объем и «хвост». Вроде как эхо, но без отчетливых повторений.
Линии задержки (дилеи)
Дилей – это прибор, обеспечивающий задержку сигнала и его воспроизведение через небольшой интервал времени. При работе с пространством дилей имитирует отражение звука от стен и других поверхностей в виде отчетливых повторений.
Чтобы пространственные отражения звучали естественно, повторения нужно формировать, опираясь на законы физики в звуке. То есть, если хотим показать, что стена находится в 50 метрах от нас, надо задать время задержки, необходимое для преодоления звуком расстояния в 100 метров (от источника до стены, от стены обратно). Поскольку скорость звука примерно равна 330-340 метрам в секунду, в данном случае время задержки нужно выставить примерно на 295-300 миллисекунд. Кроме того, необходимо помнить, что при прохождении расстояний высокие частоты гаснут быстрее, а значит нашим повторениям понадобится эквализация (лучше всего использовать обрезной фильтр высоких частот).
Хорусы
Хорус, как и ревербератор, дает объем. Но, в отличие от ревербератора, хорус не приводит к образованию хвостов и не может удалить звук в глубину микса, как это может сделать ревербератор. Зато благодаря хорусу монофонические звуки обретают стереофонический окрас, лучше усаживаются в звуковую ткань. А стереодорожки получают дополнительную мягкость, насыщенность.
По сути, хорус – это тоже набор линий задержки, только очень коротких. Прибор как бы размножает исходный сигнал, смещая его по времени на небольшие значения.
При использовании хоруса важно не переборщить. Прежде всего, потому что это все-таки дублирование сигнала, а мы помним, что любые сложения могут привести к противофазе. Ну и кроме того – слишком много хоруса сделает общее звучание чрезмерно винтажным. Хотя, если это именно то, чего вы добиваетесь – замечательно.
Эквалайзеры
О них уже сказано много и в этой статье (стадия спектральной обработки), и в отдельной статье, посвященной эквалайзерам. Однако, эти приборы могут влиять и на пространственную картину, поэтому им также стоит уделить внимание.
Благодаря эквалайзерам тоже можно приближать и удалять звук. Более высокочастотные звуки всегда будут слушаться ближе, а звуки с обрезанным верхом – дальше. Кроме того, эквалайзер даже позволяет влиять на вертикальное панорамирование инструментов, то есть делать их выше или ниже в пространстве. Еще чуть более подробно я остановлюсь на этих способах использования эквалайзеров в статье, которая будет опубликована в ближайшем будущем.
Кое-что теперь стало яснее
Итак, некоторые вопросы, касающиеся сведения музыки, удалось разобрать достаточно подробно. Чего-то я пока коснулся лишь вскользь. Но это не значит, что эти темы не заслуживают более глубокого анализа. Так что не забудьте подписаться на этот блог, будет еще много интересных статей.
© Алексей Данилов При перепечатывании ссылка на источник обязательна.