с днем рождения импрессионисты
Современное искусство по кусочку. ИМПРЕССИОНИЗМ. Часть 1
Первые 2 части тут http://www.spletnik.ru/blogs/vokrug_sveta/131048_sovremennoe-iskusstvo-po-kusochku-chast-1-preimpressionizm и тут http://www.spletnik.ru/blogs/vokrug_sveta/131156_sovremennoe-iskusstvo-po-kusochkam-chast-2-eduard-mane
5 апреля 1874 открылась первая выставка импрессионистов. Это была роковая дата, которая изменила не только жизнь каждого из них, но и само течение мировой живописи.
Эдгар Дега, Три танцовщицы в репетиционном зале, 1873
Однако, накануне выставки, импрессионистов еще не существовало. Были просто приятели, объединенные творческим видением и интересами, которые собирались вместе в кафе «Гербуа» на улице Батиньоль, обсуждая живопись, политику и женщин. Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Эдгар Дега, Берта Моризо и Клод Моне, уже не надеясь получить добро Парижской Академии Искусств, решили пойти ва банк и организовать свою выставку.
Мане тоже периодически появлялся среди членов этой «Батиньольской группы», выступая в роли идейного вдохновителя, однако, сам в выставке участия не принял. Вообще говоря, Мане позиционировал себя несколько особняком и берег свое имя от того, чтобы его связывали с новым течением. Тем не менее, это как раз и произошло. Его не просто в дальнейшем причислили к импрессионистам, а назвали самым первым, основоположником движения. Хотя формально это не совсем так.
Эдуард Мане, Перед зеркалом, 1876
Итак, когда стало понятно, что войны с академией не избежать, художники решили действовать не по одиночке, а организовать «Анонимное товарищество артистов, живописцев, художников, скульпторов, графиков и проч». Провести выставку договорились за месяц до ежегодного Салона, который устраивала Академия.
Берта Моризо, Молодая девушка перед зеркалом, 1880
Тем не менее, в этой компании всегда царила добрая, оптимистичная атмосфера, все художники были настроены решительно в своей борьбе за право творческого самовыражения ( ну и права купить себе кусок хл..а, конечно.)
Но уже на следующий день после открытия выставки от радостного подъема не осталось и следа…
Конечно, даже самые оптимистичные из этой компании не ожидали теплого приема, однако, критика превзошла своей язвительностью все ожидания.
Клод Моне, Впечатление. Восход солнца, 1872
Поль Сезанн, Современная олимпия, 1873
Поль Сезанн, Купальщицы, 1974
У общества художников, помимо Мане, был еще один идейный ( и финансовый) вдохновитель, который заслуживает отдельного упоминания. Поль Дюран-Рюэль был торговцем картин. Именно он подбил художников на то, чтобы устроить выставку, и в этом также проявилась его коммерческая дальновидность.
Знакомство с будущими импрессионистами произошло в Лондоне, куда Дюран-Рюэль уехал в 1870, держась подальше от воюющей Франции ( война была с Пруссией). Там же нашли убежище Клод Моне и Камиль Писсарро.
Оба на момент знакомства с Дюран-Рюэлем практически бедствовал (Моне еще приходилось содержать любовницу и ребенка). В общем, для обоих художников встреча с торговцем была очень кстати. Как и для самого Дюран-Рюэля. Недаром, у него был нюх на талант. Достаточно было посмотреть на работы художников, чтобы понять, куда двигаться дальше. Он сразу же купил картины Моне и Писсарро для своей галереи в Лондоне.
Камиль Писсаро, Кухонный сад, 1874
Однако, этим его предпринимательская отвага не ограничилась. Он освободил художников от зависимости от Академии, выплачивая им ежемесячную стипендию, обязался покупать их картины и обеспечить на них коммерческий спрос и, тем самым, изменить сам способ функционирования художественного рынка. Оставалось понять как же это сделать.
Камиль Коро, Пейзаж у реки, 1874
Жан Франсуа Милле, Ночная охота на птиц, 1874
Динамичные, яркие полотна со сценами городской жизнь могли показаться куда более привлекательными. Торговец также призывал художников рисовать картины приемлемых для городской квартиры масштабов, что еще раз доказывает, насколько тонким чутьем он обладал. И оно его не подвело.
Клод Моне, Автопортрет с беретом, 1886
Камиль Писсаро, Автопортрет, 1873
Клод Моне начинал карикатуристом, но его творческий вектор изменился после встречи с живописцем Эженом Буденом.
Эжен Буден, Трувиль, 1864
Именно Буден приучил Моне работать на воздухе непосредственно перед объектом. Также на подход к живописи Моне повлияло знакомство с голландским мастером Яном Бартольдом Йонгкиндом. Его светлая палитра и умение запечатлеть природу в её непосредственной красоте произвели впечатление на юного художника.
Ян Бартольд Йонгкинд, Гавань в Этрета, 1852
В 1869 году Моне и Ренуар посетили знаменитый в Париже «Лягушатник». Оба нашли тему отдыха горожан подходящей. Результатом стали две работы 69 года, написанные практически с одной и той же точки. Отличная возможность для того, чтобы сравнить стили обоих художников.
Клод Моне, Лягушатник, 1869
Огюст Ренуар, Лягушатник, 1869
Итак, сюжет обеих картин схож: светское мероприятие в кафе на понтоне возле купальни. Оба полотна с динамичным мазком, яркими цветами и сценой из современной жизни. Однако, работы различаются стилем и подходом.
И.К. Айвазовский, Буря на море ночью, 1849
Уильям Тернер, Пароход у входа в гавань во время шторма, 1843
Комментарии, как мне кажется, излишни. В то время, когда Моне жил в Лондоне, там можно было увидеть картину Тернера «Дождь, пар и скорость».
Уильям Тернер, Дождь, пар и скорость, 1844
Здесь сразу несколько новшеств. Во-первых, сюжет. Это полотно, практически, футуристическое. Технический прогресс давал о себе знать, менялось само восприятие окружающей реальности. Из окна поезда мир виделся совершенно по-другому, нежели из экипажа. Во-вторых, изобразительный метод. Золотая пелена дождя растворяет, размывает все очертания. Мы скорее не видим картину, а чувствуем ее. Кстати, тема вокзалов, поездов будет одной из любимых у Моне впоследствие.
Клод Моне, Темза ниже Вестминстера, 1871
Асимметрия в композиции была характерна для еще одного художника из общества импрессионистов. Но об этом будет след пост, потому что про импрессионистов коротенько сказать не получается)
Действительно, импрессионизм в свое время произвел фурор в искусстве как с точки зрения техники написания, так и в выборе сюжетов. Вследствие этого, его долгое время не принимали в художественных кругах, а мастера этого направления были вынуждены организовать собственные выставки для представления своего искусства обществу. Впрочем, об этом было написано немало статей, в т.ч. на Сплетнике. Мне же хотелось бы сосредоточиться на женском лице импрессионизма, которое часто теряется в лучах славы Дега, Мане, Моне, Ренуара и других мастеров.
По иронии судьбы, именно эти радикальные для классической школы черты импрессионизма открыли художницам дверь в закрытую область элитарного искусства. Изучение человеческой анатомии и рисование обнаженного тела в то время считалось неприемлемым занятием для деликатного сознания женщин, то же самое касалось и написания исторических сюжетов, женщины не могли даже копировать картины в галереях без сопровождения мужчин. Единственной альтернативой для художниц оставались домашние занятия и иллюстрации повседневной жизни, которые, с приходом импрессионизма, стали главным фокусом современного искусства.
Конечно, не все складывалось так радужно для представительниц слабого пола: женщины в 19-м столетии по-прежнему не могли изучать изобразительное искусство в государственных заведениях (например, в Школе изящных искусств в Париже, которая ограничивала студентов не только по половому, но и по национальному признаку, допуская к обучению лишь французских граждан) и брать формальные уроки у мастеров. Однако, оставались частные школы и неформальные занятия, а также невероятный энтузиазм, трудолюбие и талант женщин, решивших развиваться в области импрессионизма, несмотря на многочисленные запреты.
Берта Моризо (1841-1895)
Берта Моризо по праву считается одной из самых известных художниц в импрессионизме: она единственная среди женщин участвовала практически во всех (в семи из восьми) выставках импрессионистов, начиная с самой первой.
Моризо родилась в буржуазной французской семье, где образование (в смысле домашнего воспитания) в области искусства было само собой разумеющимся. Несмотря на то, что она не имела права получать формальное обучение и даже работать в галерее Лувра, копируя шедевры живописи, ей все же удалось познакомиться с коллекцией через своего преподавателя Йозефа Гишара, у которого Берта брала частные уроки. Под влиянием известного представителя Барбизонской школы, Камиля Коро, с которым Берта познакомилась позднее, она начала работать на открытом воздухе (en plein air) акварелью и пастелью. Спустя какое-то время Моризо уже достаточно уверенно работала и маслом, а затем стала экспериментировать с углем и карандашами. Как и другие мастера, она увлеклась фотографией и японским искусством, что заметно отразилось на ее работах. Легкие и нежные мазки, за которые так ругали импрессионистов, сочетались у нее с интересными и часто сложными композициями.
В 1864 году в возрасте 23 лет Моризо впервые принимает участие в выставке Парижского салона. А десять лет спустя она присоединяется в движению «отвергнутых» импрессионистов и участвует в первых их самостоятельных выставках наряду с Сезанном, Дега, Моне, Писсарро, Ренуаром и Сисли. Импрессионизм проплетает как профессиональную, так и личную сторону ее жизни: Берта выходит замуж за брата Эдуарда Мане – Эжена, а их единственная дочь, Жюли, часто позирует как для матери, так и для других импрессионистов, например, Ренуара.
В 2013 году Моризо также становится одной из самых высокооцененных художниц, после того как ее картина «После ланча» (1881) продается на аукционе Кристи за рекордных 10.9 миллионов долларов!
Мэри Кэссэтт (1844-1926)
Мэри Кэссэтт родилась в Пенсильвании, США, но переехала во Францию, чтобы обрести финансовую и артистическую свободу, развиваясь в области импрессионизма. Мэри входит в тройку самых известных художниц этого направления, а ее картины по своей технике часто сравнивают с работами ее друга и учителя – Эдгара Дега.
Как и другие женщины, Кэссэтт брала частные уроки живописи, за неимением других альтернатив, а также смогла получить доступ к коллекции Лувра, где проводила дни, копируя шедевры наряду с Бертой Моризо и Мари Бракемон.
В 1868 году Мэри стала первой американкой, которая удостоилась чести выставлять свои работы на обновленном Парижском салоне, а затем на отдельных выставках импрессионистов, как в Европе, так и в США.
Также как и Моризо, Кэссэтт много вдохновлялась японским искусством в своей работе и, одна из немногих в то время, экспериментировала с техникой гравировки в помощью акватинта и сухой иглы.
Самая популярная картина Мэри Кэссетт «Маленькая девочка в голубом кресле» (1878) является ярким примером ее уникального стиля, и показывает весьма радикальный взгляд на написание детей того времени: яркие небрежные мазки и естественные позы выгодно отличали работы Кэссэтт от классической школы, где дети больше походили на кукол. Инфракрасный рентген показал, что к картине приложил руку и друг Кэссэтт – Эдгар Дега, нарисовавший в центре композиции угол комнаты вместо плоской стены.
В течение всей своей жизни Мэри активно поддерживала борьбу за равные права женщин в образовании и других сферах, в т.ч. отправляла финансовые средства на развитие движения суфражисток.
В 1914 году Кэссэтт пришлось оставить свои занятия из-за практически полной потери зрения, но ее вклад в развитие импрессионизма и независимости женщин нельзя переоценить.
Мари Бракемон (1840-1916)
Несмотря на то, что сейчас Мари Бракемон входит в тройку самых известных представительниц импрессионизма, она была практически неизвестна широкой общественности вплоть до 1980-х гг. Интересный момент, что забвению Мари способствовал ее собственный муж, Феликс Бракемон (арт-директор керамического магазина Хэвиланд), который не одобрял ее занятия живописью, в результате чего художница долгое время практически не упоминалась в книгах по истории искусства.
Еще будучи ребенком, Мари Бракемон создала свою первую картину к дню рождения матери, используя пигмент из полевых цветов, которые она собственноручно измельчила. Имея весьма ограниченные финансовые средства (ее семья принадлежала к рабочему классу), Мари не могла брать частные уроки, поэтому ей приходилось учиться живописи самостоятельно. Большой удачей для нее стало знакомство через друзей семьи с неоклассическим художником Жаном Огюстом Домиником Энгром, который распознал в ней природный талант к рисованию и пригласил заниматься в его студии. Несмотря на поддержку Энгра (который даже помог 16-летней художнице выставить свою первую работу в 1857 году), Бракемон в конце концов покидает его студию, объяснив свой уход тем, что Энгр не признавал кураж и настойчивость женщин в живописи, поэтому она могла рассчитывать у него лишь на изображение цветов и натюрмортов. Вскоре Мари увлечется новаторским направлением в искусстве того времени – импрессионизмом.
Однако, встреча Бракемон с ее будущим мужем Феликсем в Лувре и последующее замужество в 1869 году навсегда изменит планы на развитие молодой художницы. В воспоминаниях Пьера, их сына, Феликс предстает как весьма авторитарный и ревнивый супруг, который часто критиковал работы Мари, скрывал ее картины от гостей и отговаривал от публичных выставок. В результате в 1890 году Мари, уставшая от постоянных конфликтов с мужем и проблем со здоровьем, забрасывает публичное занятие живописью и практически перестает выезжать из их дома в Севре.
Берта Моризо, Мэри Кэссэтт и Мари Бракемон считают легендарным трио женщин импрессионизма. Однако, на них история женского импрессионизма не заканчивается. Во второй части будут представлены менее известные (но от этого не менее талантливые) художницы этого направления.
С днем рождения импрессионисты
Импрессионизм появился во Франции, но только лишь Францией его распространение не ограничилось. Приход к импрессионизму был естественным этапом развития всех западных школ: в ответ на довлеющий академизм художники обращались к работе с формой, экспериментировали с живописной передачей света и цвета. Мировой импрессионизм как явление — это совокупность его национальных вариантов. Можно говорить об испанском и британском, скандинавском и немецком, американском и русском импрессионизме, каждый из которых похож и не похож на французский.
В отечественной истории искусства не найдется мастера, который оставался бы верен импрессионизму на протяжении всей жизни и мог бы быть безоговорочно назван импрессионистом. Вместе с тем импрессионизмом «переболели» едва ли не все русские живописцы рубежа XIX–XX веков. Изучение его находок обогащало палитру и раскрепощало руку, меняло видение навсегда. Константин Коровин писал, что стремится передать «трепет и шум листьев», «ноты-звуки природы, света, солнца». Валентин Серов заявлял: «Пусть будет красиво написано, а что написано, нам неинтересно».
Однако импрессионистические работы встречаются не только у тех, чьи имена напрямую ассоциируются с импрессионизмом. Пробовали себя в импрессионизме и Борис Кустодиев, и Виктор Борисов-Мусатов, и Константин Юон, и Николай Богданов-Бельский, и даже Илья Репин, который на словах новые течения отвергал и писал в их адрес обличающие статьи.
Позднее, в XX столетии, импрессионизм наравне с сезаннизмом, кубизмом, футуризмом воспринимался самими художниками как необходимая ступень обучения, благодаря которой «все ограмотились», как называл это Кузьма Петров-Водкин. Все виднейшие авангардисты — Михаил Ларионов, Наталия Гончарова, Казимир Малевич, Василий Кандинский — прошли через увлечение импрессионизмом.
Вопреки расхожему мнению о том, что советская живопись была представлена исключительно социалистическим реализмом, после 1917 года импрессионизм никуда не исчез, хотя, конечно, его присутствие на выставках зачастую было невозможно. Одни, как Александр Герасимов и Дмитрий Налбандян, ухитрялись создавать импрессионистические полотна одновременно с заказными портретами партийной элиты. Другие были вынуждены скрываться: им отказывали в выставках, их преследовали за «формализм». Например, советский лирик Юрий Пименов сам себя называл «реалистическим импрессионистом»: каждая его картина была талантливо пойманным мгновенным впечатлением.
Импрессионизм появился во Франции, но только лишь Францией его распространение не ограничилось. Приход к импрессионизму был естественным этапом развития всех западных школ: в ответ на довлеющий академизм художники обращались к работе с формой, экспериментировали с живописной передачей света и цвета. Мировой импрессионизм как явление — это совокупность его национальных вариантов. Можно говорить об испанском и британском, скандинавском и немецком, американском и русском импрессионизме, каждый из которых похож и не похож на французский.
В отечественной истории искусства не найдется мастера, который оставался бы верен импрессионизму на протяжении всей жизни и мог бы быть безоговорочно назван импрессионистом. Вместе с тем импрессионизмом «переболели» едва ли не все русские живописцы рубежа XIX–XX веков. Изучение его находок обогащало палитру и раскрепощало руку, меняло видение навсегда. Константин Коровин писал, что стремится передать «трепет и шум листьев», «ноты-звуки природы, света, солнца». Валентин Серов заявлял: «Пусть будет красиво написано, а что написано, нам неинтересно».
Однако импрессионистические работы встречаются не только у тех, чьи имена напрямую ассоциируются с импрессионизмом. Пробовали себя в импрессионизме и Борис Кустодиев, и Виктор Борисов-Мусатов, и Константин Юон, и Николай Богданов-Бельский, и даже Илья Репин, который на словах новые течения отвергал и писал в их адрес обличающие статьи.
Позднее, в XX столетии, импрессионизм наравне с сезаннизмом, кубизмом, футуризмом воспринимался самими художниками как необходимая ступень обучения, благодаря которой «все ограмотились», как называл это Кузьма Петров-Водкин. Все виднейшие авангардисты — Михаил Ларионов, Наталия Гончарова, Казимир Малевич, Василий Кандинский — прошли через увлечение импрессионизмом.
Вопреки расхожему мнению о том, что советская живопись была представлена исключительно социалистическим реализмом, после 1917 года импрессионизм никуда не исчез, хотя, конечно, его присутствие на выставках зачастую было невозможно. Одни, как Александр Герасимов и Дмитрий Налбандян, ухитрялись создавать импрессионистические полотна одновременно с заказными портретами партийной элиты. Другие были вынуждены скрываться: им отказывали в выставках, их преследовали за «формализм». Например, советский лирик Юрий Пименов сам себя называл «реалистическим импрессионистом»: каждая его картина была талантливо пойманным мгновенным впечатлением.
ИМПРЕССИОНИЗМ
ИМПРЕССИОНИЗМ запись закреплена
Алина Березанская
Клод Моне. Самое главное, что нужно знать и помнить про художника и импрессионизм. Основные моменты биографии, самые знаменитые картины Клода Моне, и окружение, в котором жил и творил гениальный импрессионист.
А также, как возник импрессионизм, и почему картина Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце» считается как начало возникновение импрессионизма, и конечно же про особенности импрессионизма.
ИМПРЕССИОНИЗМ запись закреплена
Игорь Кузнецов
ИМПРЕССИОНИЗМ запись закреплена
27 сентября в Москве в Третьяковской галерее состоится предпремьерный показ фильма «Таинственные импрессионисты».
3 октября предпремьерный показ состоится в Санкт-Петербурге в кинотеатре Аврора.
ИМПРЕССИОНИЗМ запись закреплена
6 октября в кинотеатрах страны выходит фильм «Таинственные импрессионисты» (Невафильм).
В фильме представлены 50 невиданных ранее шедевров известных мастеров: Мане, Кайботта, Ренуара, Моне, Сезанна, Синьяка, Сислей и Берты Моризо. Это кинематографическое приключение длиною в 50 картин, выставленных в Риме в Палаццо Бонапарте, расскажет о революции в искусстве, вызванной движением Импрессионистов. В этом сложном и захватывающем путешествии зрителей будут сопровождать кураторы выставки: Клер Дюран-Руэль (правнучка Пола Дюран-Руэля, самого влиятельного продавца произведений импрессионистов,) и Марианна Матье.
Спрашивайте в кинотеатрах своего города!
ИМПРЕССИОНИЗМ запись закреплена
Библиотека им. Н. А. Некрасова
Одна лекция, три судьбы, объединенные бесстрашием, дерзостью и Парижем.
Сюзанна Валадон, натурщица Пюви де Шаванна, Ренуара, Дега и Тулуз-Лотрека, мать Мориса Утрилло и первая женщина, принятая во французский союз художников.
Мизия Серт, модель Вюйара, Валлоттона и Боннара, муза Равеля, подруга Дебюсси и Малларме, хозяйка салона, покровительница дягилевских «Русских сезонов» и просто «королева Парижа».
И Коко Шанель, пожалуй, не нуждающаяся в представлении.
О трех выдающихся парижанках — в записи лекции Алисы Кудашевой из курса «По следам Лилит: новый взгляд на миф о femme fatale».
ИМПРЕССИОНИЗМ запись закреплена
Мысли об искусстве
ИМПРЕССИОНИЗМ запись закреплена
Екатеринбургский музей изобразительных искусств
В преддверии Дня России наш музей запускает онлайн-марафон #РоссияТуржанского, посвящённый 145-летию со дня рождения художника.
В рамках марафона российские музеи от Владивостока до Москвы будут показывать в социальных сетях полотна Леонарда Туржанского из своих собраний, чтобы привлечь внимание к творческому наследию выдающегося русского пейзажиста.
Показать полностью.
Два раза в месяц (по вторникам) мы будем размещать в наших группах в Facebook и ВКонтакте и подборки с работами музеев-участников марафона. Ищите публикации наших партнёров по хэштегу #РоссияТуржанского!
Если вы ещё не посетили онлайн-выставку «Леонард Туржанский. Художник, объединивший горизонты», подготовленную нашим совместно с Галереей Синара Арт, приглашаем вас на сайт turzhansky.ru.
Изображение:
Леонард Туржанский. Осенний мотив (Телята). Первая половина ХХ века. Картон, масло. 26,7х66. ЕМИИ
***
Леонард Туржанский (1875–1945) родился в Екатеринбурге, учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у знаменитых мастеров серебряного века – Валентина Серова и Константина Коровина. Выбрав пейзаж как основной жанр своей живописи, он соединял в нем черты реализма и импрессионизма. На протяжении нескольких десятков лет жил и работал в Москве, возвращаясь на Урал на продолжительные этюды. Оказал значительное влияние на развитие творческих сил Екатеринбурга (Свердловска), фактически став основоположником школы уральского пейзажа.
***
«Леонард Туржанский. Художник, объединивший горизонты» – онлайн-выставка, включающая 20 произведений из коллекций ЕМИИ и Галереи Синара Арт, среди которых – сельские и городские пейзажи, портреты, а также материалы из частных архивов. Содержательный рассказ о мастере и ёмкие комментарии кураторов к отдельным работам помогут зрителям не только узнать ближе творчество уральского художника, надёжно вписанного в общероссийскую историю искусства начала ХХ века, но и понять, почему оно актуально до сих пор.