множество жизней уильяма кляйна
Множественные жизни Уильяма Кляйна
Уильям Кляйн прожил много жизней. Один из самых влиятельных фотографов в мире, он стал пионером искусства уличной фотографии и создал некоторые из самых культовых модных образов 20-го века. Он также снял более двадцати фильмов, включая первый документальный фильм о Мухаммаде Али и блестящей сатире мира моды, «Кто вы, Полли Магу?»
Уильям Кляйн — французский фотограф и кинорежиссер американского происхождения, известный своим ироничным подходом и широким использованием необычных фотографических приемов в области фотожурналистики и модной фотографии. Занимает 25 место в списке ста самых влиятельных профессиональных фотографов.
Кляйн начинал как успешный художник, проходя обучение у Фернана Леже. Известность фотографа Кляйн обрел благодаря съемкам для журнала моды Vogue и своими фоторепортажами о различных городах мира. Он выступил режиссером многих художественных и документальных фильмов, а также более чем 250 телевизионных рекламных роликов. Кляйн является победителем премии Prix Nadar (1957), почетным стипендиатом Королевского фотографического общества (1999), а также лауреатом премии «За выдающиеся достижения в области фотографии» Sony World Photography Awards (2012).
Кляйн родился в Нью-Йорке в бедной еврейской семье. После окончания средней школы поступил в Городской Колледж Нью-Йорка на факультет социологии. Во время Второй мировой войны месте с американскими войсками находился в Германии, затем во Франции, где он и поселился после окончания службы.
В 1948 году Кляйн поступил в Сорбонну, а затем учился живописи у Фернана Леже, проявляя интерес к абстрактной живописи и скульптуре. В 1952 году он провел две успешные персональные выставки в Милане и начал сотрудничество с архитектором Анжело Манжаротти. Кляйн также экспериментировал с кинетическим искусством, и именно на своей выставке кинетических скульптур встретился с Александром Либерманом, арт-директором журнала Vogue. С этого момента, несмотря на отсутствие формального образования, Кляйн обретает популярность фотографа, снимая для Vogue. В 1957 году Кляйн выигрывает премию Prix Nadar за книгу фотографий о Нью-Йорке (англ. William Klein: Life is Good & Good for You in New York: Books on Books No. 5). Работы Кляйна считались революционными благодаря своему «двусмысленному и ироничному подходу к миру моды», его «бескомпромиссному отвержению преобладающих правил фотографии того времени», частому использованию широкоугольных объективов, естественного освещения и приема «сдергивания кадра». Отвечая на вопрос о частом использовании этого приема, Кляйн отвечал:
«Если вы внимательно посмотрите на жизнь, вы увидите нечеткие края. Встряхните рукой. Неясные очертания — часть жизни.»
Самыми известными фотографическими работами Кляйна являются Gun 1, Нью-Йорк (1955), The Holy family on bike (Рим, 1956), Cineposter (Токио, 1961), Vogue (манекенщицы на улицах Нью-Йорка, Рима и Парижа, сфотографированные для журнала Vogue, 1963), Love on the Beat (обложка альбома Сержа Генсбура, 1984), Club Allegro Fortissimo (1990) и Autoportrait (книга раскрашенных контактных отпечатков, 1995).
В те времена, когда в мире фотографии безусловным авторитетом являлся Анри Картье-Брессон, Кляйн оставался верен себе, отрицая большинство установленных Картье-Брессоном стандартов.
«Мне нравились фотографии Картье-Брессона, но мне не нравились его правила. Поэтому я отменил их. Я считал нонсенсом его утверждение, что фотография должна быть объективной. Потому что не существует фотографа, способного во имя объективности, начать все с чистого листа… Большинство приемов, которые я использовал в фотографии, сегодня считаются приемлемыми, за исключением, возможно, использования широкоугольного объектива. Для меня он казался более нормальным, чем 50 мм объектив. Я бы даже сказал, что 50 мм объектив — это наложение ограничивающей точки зрения. Но ни одна линза не является нормальной или правильной. Потому что в жизни мы смотрим двумя глазами, а у камеры только один. Так что какой бы объектив ни использовался, любая фотография будет искажением того, что мы видим на самом деле.»
В середине 1960-х Кляйн переходит к занятиям кинематографом и до 1980 года практически отходит от фотографии. В одном из интервью на вопрос, в чём заключается разница между фотографией и кино, он полушутя ответил:
«В том, что в кино за тобой носят всю аппаратуру, а в фотографии ты должен носить все сам. Но есть, конечно, и другие отличия. В кино есть история. Фотографию гораздо тяжелее читать. Ты делаешь снимок, но люди не всегда его понимают. Считается, что фотографируют ради шутки, чтобы застать человека, который ковыряется в носу, врасплох. В кино же есть начало и конец, и зрителю гораздо легче сохранять концентрацию.»
50 документальных фильмов для дизайнеров
Эти фильмы на английском и русском языках полезно посмотреть всем, кто занимается творчеством. Вдохновение и новые знания о дизайне, архитектуре и живописи гарантированы.
Биографии и дизайн прошлого
1. «Дизайн един: Лейла и Массимо Виньелли» (Design is One: Lella & Massimo Vignelli)
История двух влиятельных дизайнеров, которые за свою жизнь добились успеха в разных областях: графике, создании фирменных стилей, дизайне интерьеров.
2. «Имз: архитектор и художник» (Eames: The Architect and the Painter)
Рассказ о жизни и работе супружеской пары Чарльза и Рэй Имзов — известных промышленных дизайнеров в Америке.
3. «Визуальная акустика: модернизм Джулиуса Шульмана» (Visual Acoustics: The Modernism of Julius Shulman)
Нестандартный взгляд на жизнь и карьеру Шульмана, которого профессиональные дизайнеры в один голос называют величайшим фотографом архитектуры.
4. «Американские жизни: Фрэнк Ллойд Райт» (American Lives: Frank Lloyd Wright)
Двухсерийный документальный фильм Кена Бёрнса о великом архитекторе. Фрэнк Ллойд Райт — это человек, чья исключительная жизнь, идеи, революционный подход к дизайну и архитектуре изменили облик городов по всему миру.
5. «Билл Каннингем, Нью-Йорк» (Bill Cunningham, New York)
Биография ветерана фешен-фотографии. Каннингем в неизменной синей куртке, на велосипеде и с фотоаппаратом в руках снимал настоящую жизнь улиц Нью-Йорка.
6. «Милтон Глейзер: от информации и восторга» (Milton Glaser: To Inform & Delight)
Фильм посвящён соучредителю известного журнала New York Magazine и создателю рекламной кампании I Love NY. Здесь раскрывается необъятный размах художественного видения Глейзера.
7. «Видал Сассун: кино» (Vidal Sassoon: The Movie)
Видал Сассун, несмотря на трудное детство, смог добиться огромных высот в профессии и совершил революцию в работе парикмахеров и стилистов. Его часто называют художником и мастером, который изменил мир с ножницами в руке.
8. «Модель Матисса» (A Model for Matisse)
История дружбы Анри Матисса и монахини Жак-Мари, которая вдохновила художника на создание некоторых особо любимых его работ.
9. «Милашка и боксёр» (Cutie and the Boxer)
Откровенная история любви и 40-летнего брака Ушио Шинохары, который пишет картины боксёрскими перчатками, и его супруги Норико.
10. «Всё должно измениться — Пит Зварт» (Everything Must Change — Piet Zwart)
Документалка о Пите Зварте, дизайнере, который жил ради инноваций и стал основоположником целого направления — голландского дизайна.
11. «Жан-Мишель Баския: лучезарное дитя» (Jean-Michel Basquiat: The Radiant Child)
Биография необычного художника Жана-Мишеля Баскии, который поначалу рисовал граффити в городских переулках, а позже выставлял свои картины в самых популярных галереях Нью-Йорка. В этом фильме режиссёр исследует бунтарскую природу искусства Баскии.
12. «Как создать книгу со Стейдлом» (How to Make a Book with Steidl)
Герхард Стейдл — один из немногих современных издателей, который неизменно следует высоким стандартам качества исполнения печатных книг.
13. «Ай Вэйвэй: никогда не извиняйся» (Ai Weiwei: Never Sorry)
Китайский художник и активист использует социальные сети и искусство как способ вдохновить людей на протесты против правительства (за что и подвергается преследованию в своей стране).
14. «Визуальный язык Герберта Меттера» (The Visual Language of Herbert Matter)
Увлекательная история жизни влиятельного дизайнера середины прошлого столетия, которого называют пионером фотомонтажа и коммерческого искусства.
15. «Художник Герхард Рихтер» (Gerhard Richter Painting)
Известный немецкий художник рассказывает о своём необычном подходе к работе и творческому процессу.
16. «Наброски Фрэнка Гери» (Sketches of Frank Gehry)
Личностный портрет противоречивого архитектора, который никогда не боялся нарушать правила. Фильм о Гери снял режиссёр Сидни Поллак, его сторонник и давний друг.
17. «Королевская линия: история Эла Хиршфельда» (The Line King: The Al Hirschfeld Story)
Карикатурист Эл Хиршфельд создал тысячи графических портретов известных людей. В фильме показана история его взросления и творческий путь.
18. «Сколько весит ваше здание, мистер Фостер?» (How Much Does Your Building Weigh, Mr. Foster?)
Фильм о творчестве одного из самых известных архитекторов в мире — Нормана Фостера. Это история его бесконечных поисков ответа на главный вопрос: как улучшить качество жизни людей с помощью дизайна?
19. «Вермеер Тима» (Tim’s Vermeer)
Изобретатель Тим Дженсон пытается разгадать одну из интереснейших тайн истории искусств: как голландскому живописцу Яну Вермееру удавалось создавать настолько реалистичные полотна в XVII веке. Невероятно увлекательное исследование.
20. «Жизнь и времена Фриды Кало», (The Life and Times of Frida Kahlo)
Биография мексиканской художницы Фриды Кало, которая стала сенсацией и в мире современного искусства, и в мире политики.
21. «Множество жизней Уильяма Кляйна» (The Many Lives of William Klein)
Кляйн — один из самых влиятельных фотографов в мире. Его по праву можно назвать родоначальником искусства уличной фотографии, а его снимки — знаковыми образами модной индустрии XX века.
22. «Красота — это немного стыдно» (Beauty Is Embarassing)
Смешной и вдохновляющий фильм о жизни американского художника Уэйна Уайта.
23. «Учитесь смотреть» (Teaching to See)
Фильм о пациенте больницы с нарушениями нейронных связей и о специальной программе обучения, которая помогла восстановить его способность видеть. Впоследствии эта программа стала одним из лучших пособий по визуализации и рисованию.
24. «Линотип» (Linotype: The Film)
Полнометражный документальный фильм об удивительной машине Оттмара Мергенталера, которую Томас Эддисон назвал восьмым чудом света. Изобретение линотипа совершило самую настоящую революцию в печати.
25. «Джон Портман: жизнь зданий» (John Portman: A Life of Building)
Анализ работы и наследия одного из самых смелых и влиятельных архитекторов, чьи здания предопределили облик городов по всему миру.
26. «Марина Абрамович: в присутствии художника» (Marina Abramović: The Artist is Present)
Портрет югославской художницы Марины Абрамович — женщины, которая не проводит границ между личной жизнью и искусством.
27. «В поисках Вивиан Майер» (Finding Vivian Maier)
Вивиан Майер всю жизнь работала обычной няней, однако после смерти в её вещах нашли около 100 тысяч фотографий. Некоторые из них являются шедеврами. Майер считается одним из самых опытных уличных фотографов.
Творческие группы
1. «Американский вид» (American Look)
Документальный фильм 1958 года о людях, занимавшихся дизайном в то время. Основное внимание уделяется образцам архитектуры, интерьера, мебели, упаковки и технологий, которые стали символами 50-х годов.
2. «Эрб и Дороти» (Herb & Dorothy)
Необыкновенная история обычных людей — почтового клерка Герберта Фогеля и библиотекаря Дороти Фогель, которые совместными усилиями собрали одну из самых важных коллекций современного искусства в истории.
3. «Выход через сувенирную лавку» (Exit Through the Gift Shop)
Проект кинорежиссёра Тьерри Гетта, который исследует обратную сторону уличного искусства и пытается найти Бэнкси, одного из самых популярных и загадочных граффити-художников нашего времени.
4. «Между складками» (Between the Folds)
История о десяти замечательных художниках, которые занимаются искусством оригами.
5. «Чистые линии, открытые пространства» (Clean Lines, Open Spaces)
Документальный фильм об архитектуре середины прошлого века и о том, как строительный бум после Второй мировой войны изменил внешний вид наших домов и интерьеров.
6. «Побережье современности» (Coast Modern)
Путешествие вдоль Северо-западного побережья Тихого океана, на котором можно увидеть прекрасные образцы модернистской архитектуры.
7. «Словно побывал там» (Just Like Being There)
Современных художников расспросили об особенностях создания афиш для концертов. Оказывается, среда таких художников — это сплочённое сообщество единомышленников, которые не просто рисуют, а живут своим творчеством.
8. «Оформители вывесок» (Sign Painters)
Фильм позволяет заглянуть в мир небольших магазинчиков. Ему, как оказалось, тоже не чуждо творчество.
9. «Войны стилей» (Style Wars)
Документалка 1983 года о развитии культуры хип-хопа в Нью-Йорке. Главный вопрос, которым задаются создатели фильма: что такое граффити — искусство или обычный вандализм?
10. «Прекрасные неудачники» (Beautiful Losers)
Документальный фильм о независимой DIY-культуре и художниках андеграунда начала 90-х.
11. «Клёвая школа» (The Cool School)
История подъёма современной арт-сцены в Лос-Анджелесе. В центре повествования — группа художников-нонконформистов, которые привили любовь к современному искусству целому городу.
12. «Наследник династии Какиэмон» (The Successor of Kakiemon)
Рассказ о японской семье, которая создала легендарный фарфор какиэмон и тщательно хранила секрет его изготовления 400 лет. Это мастерство передавалось в семье из поколения в поколение.
Современный дизайн
1. «Гельветика» (Helvetica)
Фильм о типографике, графическом дизайне и визуальной культуре в широком смысле. На примере самого используемого в мире шрифта показано влияние дизайна на нашу жизнь.
2. «Овеществление» (Objectified)
Полнометражный документальный фильм о наших сложных отношениях с вещами массового производства и о людях, которые их проектируют.
3. «Гарнитура» (Typeface)
Художники и мастера-печатники встречаются в музее и типографии в небольшом городке штата Висконсин, чтобы на практике показать современные методы конструирования и опробовать традиционные техники набора и печати. Этот фильм — попытка найти общее в традиционном и современном подходах.
4. «Урбанизированный» (Urbanized)
Гарри Хаствит (автор фильмов «Гельветика» и «Овеществление») обращает внимание на проблемы городской среды и планировки общественных пространств, появляющиеся с ростом городов.
5. «Дизайн нового бизнеса» (Design the New Business)
Исследование совместной работы дизайнеров и бизнесменов, которые общими усилиями ищут пути решения актуальных проблем бизнеса.
6. «Изображение и текст» (Art & Copy)
Мощный фильм о рекламе и вдохновении. Посвящён работе самых влиятельных рекламщиков. Эти люди воздействуют на современную культуру больше, чем кто-либо, но их практически никто не знает за пределами профессионального круга.
7. «Современный русский дизайн»
Документальный фильм Сергея Шановича The Modern Russian Design посвящён последним 20 годам развития индустрии дизайна в России. Это серия интервью с самыми известными русскими дизайнерами.
Будущее дизайна
1. «Спроектированное будущее» (Future by Design)
Размышления Жака Фреско, которого современники часто сравнивают с Леонардо да Винчи.
2. PressPausePlay
Цифровая революция в искусстве в последнее десятилетие позволила реализовывать людям свой творческий потенциал в огромных масштабах. Размышления о том, чего ждать от этого: прорыва в сфере искусства или массы посредственных произведений.
3. «Принтер будущего» (Print the Legend)
Рассказ о молодых предпринимателях, которые стремятся сделать 3D-печать доступной для обычных людей.
4. «Почему красота важна» (Why Beauty Matters)
Современный философ Роджер Скратон приводит веские аргументы в пользу того, почему красота важна и в искусстве, и в обыденной жизни.
William Klein: человек с камерой. Part 1.
Barbara plus Coffee Filter, Paris 1956
Barbara, Over Gadgeted, Does Lips, Paris 1956
William Klein was able to take risks in his fashion photographs because, as he said, ‘as long as I showed the clothes, the magazine didn’t care what I did’. Here, Barbara Mullen makes a production of applying her lipstick while smoking a cigarette through its long holder. The image is a parody of fashion magazines’ obsessions with useless and ridiculously expensive gadgets and nonsensical rituals.
Evelyn Tripp, Paris 1958
Simone Daillencourt, Nina Devos, Capucci, Rome, 1960
Mary, Policeman and Sailor., 1957
Dance in Brooklyn, 1955
Theater Tickets, New York, 1955
St Patrick’s Day, Fifth Avenue, 1954-55
William Klein
Он родился в 1928 году в Нью-Йорке в семье еврейских иммигрантов, обедневших вскоре после того, как в год рождения Уильяма обанкротилась маленькая мастерская его отца по пошиву одежды. Бедность семьи Кляйнов еще больше бросалась в глаза на фоне достатка их родственников, преимущественно адвокатов, среди которых отец Уильяма настойчиво пытался распространять страховки, чтобы хоть как-то свести концы с концами. Отрочество Кляйна пришлось на вторую половину 30-х, время, когда в Америке сильны были антисемитские настроения, которые довольно рано коснулись и будущего фотографа, — будучи и бедным и евреем одновременно, Кляйн мучительно привыкал к положению изгоя. В это время его вторым домом становится нью-йоркский Музей современного искусства, где Кляйн проводил массу времени. Рано проявившиеся способности и живой ум Кляйна позволили ему поступить в колледж на три года раньше обычного срока, но он не закончил обучения по специальности социолога, — незадолго до окончания колледжа Кляйна призвали в армию США.
Именно на военной службе Кляйн в первый раз попал в Европу, а когда в 1948 году он демобилизовался, специальный грант на обучение, полученный им после службы в соответствии с «солдатским биллем о правах», помог ему поступить в парижскую Сорбонну, где вчерашний солдат занялся скульптурой. Вскоре Кляйн женится на француженке, и Париж надолго станет его домом и одним из самых любимых городов мира. Для будущего фотографа французская столица стала еще и тем местом, где он смог почувствовать себя независимым от своей семьи, с ее буржуазным укладом и презрением к увлечению Кляйна искусством. В Париже американец знакомится с ветераном кубизма Фернаном Леже, взгляды которого на искусство существенно повлияли на молодого скульптора. Творческий максимализм и бескомпромиссность Леже помогли Кляйну осознать необходимость поиска своего собственного пути в искусстве. Не менее важной встречей для Кляйна стало знакомство с Ман Рэем, еще одним «парижским американцем», уникальные работы которого возводили фотографию, отчасти продолжающую в то время считаться прикладным ремеслом, на уровень настоящего штучного искусства.
В это время у Кляйна появляется его первый Rolleiflex, который он осваивал самостоятельно, фотографируя буквально все, что видел вокруг. Специально фотографии Кляйн никогда не учился, подобно большинству известных фотографов его времени, да и сегодня преподавательская деятельность всемирно известного фотохудожника ограничивается редкими мастер-классами. Кляйну скучно учить других, по его мнению, необходимо ко всему прийти самому, как это делал он в начале пятидесятых. Прежде, чем посвятить себя светописи, Кляйн успешно начал карьеру скульптора, занимаясь также созданием абстрактных фресок для французских и итальянских архитекторов. Казалось, в жизни молодого скульптора все предрешено и вполне предсказуемо.
Однако фотография ворвалась в его жизнь и резко изменила ее. Поначалу Уильям Кляйн начал интересоваться фотографией преимущественно как прикладным инструментом, он использовал светочувствительные материалы в своих скульптурах и фотографировал их в движении в то время, когда работал в парижской студии Фернана Леже. Но случилось то, что и должно было случиться: он страстно увлекся фотографией и снимал все больше и больше, пока в 1954 году его работы не увидел случайно зашедший в студию арт-директор нью-йоркского Vogue, Александр Либерман, который и предложил Кляйну первый профессиональный контракт фэшн-фотографа. Поначалу Либерман предлагал Кляйну стать его заместителем в Vogue, однако место помощника арт-директора в ведущем мировом журнале не устроило вчерашнего скульптора, он не хотел карьеры, о которой многие тысячи подобных ему могли только мечтать, он хотел только фотографировать. Либерман увидел в его работах тот свежий взгляд, которого, как ему казалось, недоставало в журнале в тот период. Жесткость, которой были проникнуты снимки Кляйна, уравновешивала некоторый крен редакционной политики журнала в сторону рафинированных изображений «а-ля Сесиль Битон». Кляйн рассказал Либерману о своих планах, он хотел снимать Нью-Йорк совершенно по-новому, так, как этого еще никто до него не делал: «Я дам под дых этому городу своей «Лейкой». Финансировать рискованное мероприятие должен был Vogue, а Кляйн, никогда до того не имевший дела с фэшн-фотографией, обязался снимать моду.
Поначалу фотограф попросту не умел пользоваться студийной аппаратурой, именно это заставило его снимать своих моделей прямо на нью-йоркских улицах. Этот прием сразу стал «визитной карточкой» Уильяма Кляйна, тем новаторским жестом, который сходу поставил его в ряд с известнейшими фэшн-фотографами того времени. Кляйн, исповедовавший принцип минимализма, придумал также ставший широко известным прием с зеркалами, этот трюк впоследствии использовался самыми разными фотографами, в числе которых был даже Хельмут Ньютон, не склонный поддаваться чьим-либо влияниям. Наиболее известными примерами использования зеркал стали фотографии 1963 года, снятые для Christiаn Dior или и для Pierre Cardin, где модель бесконечное количество раз отражается в зеркальной призме. Позднее Кляйн продолжил экспериментировать с различными способами съемки, легализовав не принятые ранее в съемках моды широкоугольные и телеобъективы, длинную экспозицию с использованием вспышки и мультиэкспозицию. Уильяма Кляйна называют также изобретателем snapshot aesthetics («эстетика выстрела навскидку»). Квазирепортажный стиль Кляйна вызывал плохо скрываемое раздражение у многих признанных мастеров жанра, исповедовавших классическую заповедь «невидимости» фотографа, его полного невмешательства в происходящее в кадре. Ульям Кляйн напротив активно взаимодействовал со снимаемыми им людьми, часто он подносил камеру к самому лицу модели, которая вовсе не желала быть запечатленной. Он стал одним из первых провокаторов в фэшн-индустрии и уж явно не был тем фотографом, который старается остаться незамеченным во что бы то ни стало. В то время в мире фотографии доминировала теория «решающего момента», типичным и ярчайшим представителем которой был Анри Картье-Брессон. Фотограф должен дождаться в меняющемся потоке событий того единственного момента, когда сделанный кадр будет гармоничным и сбалансированным. Ценя работы Брессона, Кляйн, тем не менее, шел собственным путем, отчасти напоминавшим богоборчество, он сознательно нарушал брессоновские табу, делая все прямо противоположным принятому образом. Брессон исповедовал теорию «невидимого фотографа», «мухи на стене» — Кляйн активно влиял на ситуацию в кадре. Брессон никогда не кадрировал изображение, Кляйн кадрировал все или почти все свои снимки. Фотограф отказался от тщательно выстроенной композиции и технического совершенства снимка в пользу его большей спонтанности и естественности. Изображение на его снимках часто было размытым или не в фокусе, отпечатки казались излишне жесткими и контрастными, местами они были ближе к графике, чем к фотографии. Повышенная зернистость его отпечатков объяснялась тем, что во время съемки фотограф не пользовался экспонометром, полагаясь на собственный опыт, и негативы зачастую были переэкспонированы или недодержаны. В итоге изображение получалось грубым, нервным. В фотографиях Кляйна не было ничего от того, что обычно ожидают от фотографии подобного рода. Кляйн так и не стал своим в глянцево-журнальной среде, он не только не любил студийной работы с моделями, но и совершенно не интересовался одеждой. После съемки он никогда не мог вспомнить, какие именно модели одежды он фотографировал сегодня, если его расспрашивала об этом жена. Он всячески избегал встреч и согласований с редакторами отдела моды Vogue: «Я никогда не являлся на встречи со всеми этими дамами в шляпках и в огромных очках». Все это выглядело более чем вызывающе для человека, живущего за счет модной фотографии. Однако мода для фотографа была скорее не средой обитания, а объектом слегка насмешливого исследования. В случае Кляйна именно его недостаточный интерес к миру большой моды позволил ему занять свое место в мире большой фотографии. От того, что Кляйн пришел именно в фэшн-фотографию, в результате выиграл как сам фотограф, так и жанр. Кляйн сделал мир моды ареной для своих экспериментов и, отрицая существующий в его время изобразительный язык глянцевых журналов, невольно стал одним из главных его изобретателей, тех, кто сформировал лицо современной фэшн-фотографии. Сам же Кляйн получил финансовую независимость и славу, что существенно облегчило реализацию других творческих идей, казавшихся ему более важными: «Я считаю, что мода — это глупость. И я снимал ее с юмором. Но я воспользовался тем, что мне хорошо платили в Vogue. Для меня это была простая работа, она занимала всего месяца два в году».
Первая книга Уильяма Кляйна «Нью-Йорк» (1956) по сути состояла из ежедневного фотодневника — репортажных уличных фотографий, почти случайным образом собранных вместе и графически оформленных в стиле таблоидной прессы. Это была совершенно нетипичная продукция для глянцевой индустрии того времени. Представители редакции Vogue выразили недоумение, когда Кляйн принес материал будущей книги в надежде заключить контракт на ее издание. По мнению редакционного истеблишмента, Нью-Йорк Кляйна выглядел слишком «грубо, агрессивно и вульгарно», редакторы отказались взять материал и предсказали фотографу большие трудности в поиске достаточно смелых издателей для этой книги. Они оказались правы — Кляйн так и не смог найти издателя в США и только в Париже он выпустил в свет свой нью-йоркский альбом. Позднее книга «Нью-Йорк» стала настоящей классикой, она была удостоена премии Надара и выдержала массу переизданий. Надо сказать, Кляйн не стремился шокировать публику, его изобразительный язык возник не из желания сделать все против правил, скорее это было результатом творческой эволюции фотографа, образование которого позволяло ему проводить не вполне принятые в то время аналогии с другими, более традиционными видами искусства: «Для меня в книге «Нью-Йорк» не было никакого скандала. Я был художником, и я знал, что в живописи в XX веке было очень много экспериментов. А в фотографии почти не было. Были эксперименты в Баухаузе, у русских конструктивистов. И, строго говоря, все. Для меня это был не скандал, а эксперимент». Действительно, сегодня фотографии Кляйна конца пятидесятых давно утратили скандальный флер, сопутствовавший им в те годы, оставаясь смелыми, бескомпромиссными и далекими от формальных критериев качества, они воспринимаются скорее как удачная попытка расширить своеобразный «словарь», которым пользовалась фотография, и первая книга Кляйна стала значительным событием в новейшей истории искусств. Позднее Кляйн продолжил серию книг, посвященных интересовавшим его городам, один за одним стали выходить его альбомы, посвященные другим городам, с которыми фотограф связал свою творческую судьбу, — Риму, Москве, Токио и Парижу. Все свои книги — от подбора фотографий до выбора шрифта и дизайна обложки — Кляйн оформлял сам.
Уже после выхода своей первой книги Кляйн становится широко известен в Европе, а в 1962 году международное жюри Photokina-1963 включило его в список 30 наиболее влиятельных фотографов своего времени.
В 1962 году Уильям Кляйн на некоторое время оставил фотографию и посвятил себя производству кинофильмов, среди которых были и экспериментальные картины «Кто вы, Полли Мэггу?» (1966) и «Мистер Фридом» (1968), в которых Кляйн позволил себе вволю поиронизировать как над фэшн-индустрией вообще, так и над родным Vogue в частности.
В конце семидесятых Кляйн вернулся в большую фотографию, он снимал в основном уличные репортажи, используя очень широкоугольные объективы, а в девяностых маэстро занялся созданием медиаработ с использованием живописи и фотографии. Что бы ни делал Кляйн, его работы автоматически попадали в разряд шедевров и выставлялись в лучших музеях мира. Токио, Амстердам, Кельн, Нью-Йорк, Москва — такова география выставок одного из патриархов фотографии. Монография об Уильяме Кляйне «Апертура», изданная в 1981 году, стала одной из самых популярных книг в своем жанре. Сегодня Кляйн живет и работает в Париже, продолжая путешествовать по всему миру вместе с выставками своих работ. Для ценителей Уильям Кляйн олицетворяет собой то великое поколение фотографов, которое, придя в фэшн-фотографию из художественных мастерских, сумело сделать из считавшегося прикладным и ремесленническим жанра настоящий новый вид искусства, с собственными законами и визуальным языком, с собственной мифологией и легендами. Именно такой легендой еще при жизни стал Уильям Кляйн.