Что значит качает в музыке

Грув или как добиться кача в музыке

Рассмотрим от чего зависит будет ли качать трек и способы как можно добиться грува

Грув — штука непростая, его невозможно выразить в каких-либо величинах и подогнать под какие бы то ни было рамки. Но я всё-таки попробую максимально возможно препарировать эту интересную тему. Итак,

Что такое грув

Грув (ну или кач, кому этот термин больше нравится) — это ситуация, в которой слушатель начинает резонировать с происходящим в треке. Чаще всего под грувом подразумевается заставляющий двигаться в ритм трека бит, но это только на первый взгляд. На самом деле, «формула» грува немного сложнее.

Качает ведь не только танцевальная музыка и репчик. Крутейший грув можно обнаружить и в соуле, и в гаражном роке, и даже при акапелльных исполнениях, где ударные не первостепенны. Если вообще есть.

Вообще, именно заблуждение по поводу бита и приносит разочарование: «ну как же так?! вот уже и настройки sidechain компрессора экстремальные, и применена _секция groove к midi-клипу ударных_, а трек не качает». Да, друг мой, сайдчейн и возможности применения groove, предусмотренные в DAW — хорошее дело, но применимы к более узкому кругу задач

Хорошо, а что же тогда качает если не бит?

Качает не бит, качает ритм

Да-да, это не опечатка.

Каждый элемент трека участвует в формировании грува, когда он правильно взаимодействует с остальными элементами. Понимаешь, суть в том, что качает весь микс, а не только ударные или перкуссия. То есть качает именно правильное взаимодействие всех элементов микса.

Реально, качовым может быть что угодно: гитарный риф, секвенция синтезатора, вокал, саб-бас, партия фортепиано и т.д. Но, уверен, ты уже успел убедиться что даже использование крутейшего лупа ударных (ну как вариант) не гарантирует грувистости трека. Бездарный вокалист, плоские гитары, скучные тембры синтезаторов, неправильная работа с пространством, неумелое сведение и т.п. могут свести к нулю всю энергию и кач.

Химия грува

Часто продюсеры-одиночки не в полной мере понимают зачем музыканты объединяются в группы. Ну, типа «при желании сейчас на компьютере можно в домашних условиях создавать да хоть звучание целых оркестров, а музыкальных идей у меня одного — на годы вперёд, не успеваю реализовывать». Да, это действительно так, каждый из нас может быть вполне себе автономным человеком-оркестром. Но есть один важный момент.

Когда один человек работает над какой-либо партией инструмента, он опирается на тот материал, который он уже записал. То есть, играя новую партию, пластична и управляема только она. Остальные дорожки — уже неизменяемый монолит.

В коллективе же, наоборот, — разыгрывая музыкальный материал, каждый музыкант играет, подстраиваясь в данный момент под остальных. За счёт такого постоянного взаимодействия проще прочувствовать когда и благодаря чему «грув-формула» сработала.

Источник

Темпы в музыке: медленные, умеренные и быстрые

Классическое определение гласит, что темп в музыке – это скорость движения. Но что под этим подразумевается? Дело в том, что в музыке есть своя единица измерения времени. Это не секунды, как в физике, и не часы-минуты, к которым мы привыкли в жизни.

Музыкальное время больше всего напоминает биение человеческого сердца, мерные удары пульса. Эти удары и отмеряют время. И как раз от того, какие они – быстрые или медленные, зависит темп, то есть общая скорость движения.

Когда мы слушаем музыку, мы не слышим этой пульсации, если, конечно, она специально не показывается ударными инструментами. Но каждый музыкант скрыто, внутри себя обязательно ощущает эти удары пульса, именно они помогают играть или петь ритмично, не отклоняясь при этом от основного темпа.

Вот вам пример. Все знают мелодию новогодней песни «В лесу родилась елочка». В этой мелодии движение музыкального ритма идет, в основном, восьмыми длительностями нот (иногда встречаются и другие). Одновременно бьется пульс, просто так его не слышно, но мы его специально озвучим с помощью ударного инструмента. Послушайте данный пример, и вы начнете ощущать биение пульса в этой песне:

Какие бывают темпы в музыке?

Все темпы, какие только есть в музыке, можно поделить на три основные группы: медленные, умеренные (то есть средние) и быстрые. В нотной записи темп принято обозначать специальными терминами, большая часть из которых являются словами итальянского происхождения.

Так к медленным темпам относятся Largo и Lento, а так же Adagio и Grave.

К темпам умеренным причисляют Andante и производное от него Andantino, кроме того — Moderato, Sostenuto и Allegretto.

Наконец, перечислим быстрые темпы, это: веселое Allegro, «живые» Vivo и Vivace, а также быстрое Presto и наибыстрейшее Prestissimo.

Как установить точный темп?

Можно ли измерить музыкальный темп в секундах? Оказывается, можно. Для этого используется специальный прибор – метроном. Изобретателем механического метронома является немецкий физик-механик и музыкант Иоганн Мельцель. Ныне музыканты в своих повседневных репетициях пользуются как механическими метрономами, так и электронными аналогами – в виде отдельного прибора или приложения на телефоне.

Каков принцип действия метронома? Этот прибор после специальных настроек (передвинуть грузик по шкале) отбивает удары пульса с определенной скоростью (например, 80 ударов в минуту или 120 ударов в минуту и т.п.).

Щелчки метронома напоминают громкое тиканье часов. Та или иная частота биения этих ударов соответствует одному из музыкальных темпов. Например, для быстрого темпа Allegro частота будет примерно 120-132 удара в минуту, а для медленного темпа Adagio – около 60 ударов в минуту.

В зависимости от музыкального размера можно также настроить метроном так, чтобы он отмечал особыми знаками (звоночком, например) сильные доли.

Каждый композитор определяет темп своего сочинения по-разному: одни указывают его лишь приблизительно, одним термином, другие – устанавливают точные значения по метроному.

Во втором случае это обычно выглядит так: там, где должно быть темповое указание (или рядом с ним), стоит четвертная нота (удар пульса), далее знак равенства и число ударов в минуту по метроному Мельцеля. Пример можно посмотреть на картинке.

Таблица темпов, их обозначений и значений

В следующей таблице будут обобщены данные об основных медленных, умеренных и быстрых темпах: итальянское написание, произношение и перевод на русский язык, примерное (около 60, около 120 и т.п.) количество ударов в минуту по метроному.

Темп	Транскрипция	Перевод	Метроном
Медленные темпы
Largo	лярго	широко	ок. 45
Lento	ленто	протяжно	ок. 52
Adagio	адажио	медленно	ок. 60
Grave	граве	важно	ок. 40
Умеренные темпы
Andante	анданте	не спеша	ок. 65
Andantino	андантино	неторопливо	ок. 70
Sostenuto	состэнуто	сдержанно	ок. 75
Moderato	модерато	умеренно	ок. 80
Allegretto	аллегретто	подвижно	ок. 100
Быстрые темпы
Allegro	аллегро	скоро	ок. 132
Vivo	виво	живо	ок. 140
Vivace	виваче	живо	ок. 160
Presto	престо	быстро	ок. 180
Prestissimo	престиссимо	очень быстро	ок. 208

Замедление и ускорение темпа произведения

Как правило, темп, взятый вначале произведения, сохраняется до его конца. Но нередко в музыке встречаются такие моменты, когда требуется замедление или, наоборот, ускорение движения. Для обозначения таких «оттенков» движения также существуют специальные термины: accelerando, stringendo, stretto и animando (это все для ускорения), а также ritenuto, ritardando, rallentando и allargando (эти — для замедления).

Чаще употребляются оттенки для замедления в конце произведения, особенно в старинной музыке. Постепенное или внезапное ускорение темпа больше характерно для романтической музыки.

Уточнение музыкальных темпов

Нередко в нотах рядом с основным обозначением темпа стоит одно или несколько дополнительных слов, которые уточняют характер нужного движения или характер музыкального произведения в целом.

Например, Allegro molto: аллегро – это просто быстро, а аллегро мольто – это очень быстро. Еще примеры: Allegro ma non troppo (быстро, но не слишком) или Allegro con brio (Быстро, с огнем).

Значение таких дополнительных обозначений всегда можно узнать с помощью специальных словарей иностранных музыкальных терминов. Однако наиболее часто употребляемые термины вы можете посмотреть в специальной шпаргалке, которую мы для вас приготовили. Ее можно распечатать и всегда иметь при себе.

ШПАРГАЛКА ТЕМПОВ И ДОПОЛНИТЕЛЬНЫХ ТЕРМИНОВ – СКАЧАТЬ

Вот такие вот основные моменты, касающиеся музыкального темпа, мы хотели донести до вас. Если у вас еще остались вопросы, то, пожалуйста, напишите их в комментариях. До новых встреч.

Источник

Как понять классическую музыку? Советы музыковеда Натальи Гирявенко

Классическая музыка часто кажется сложной для понимания. Даже те, у кого есть интерес, задаются вопросом: как понять классику. Для таких дискуссий в белгородской филармонии проводят лекции-концерты. Их автор — музыковед, заслуженный работник культуры России Наталья Гирявенко. Корреспондент «Фонаря» побеседовал с музыковедом и узнал, с чего начать знакомство с классической музыкой.

Фото белгородской филармонии

Зачем мне это нужно?

— Музыкой вы привносите в свою жизнь ум, красоту, гармонию, подлинные чувства. Даже фоновое прослушивание классики нас меняет. А если вы учитесь музыке, то это влияет ещё больше. Классическая музыка развивает память, музыкант-исполнитель пространственно мыслит, попадая на нужные клавиши, манипулируя абстрактными звуковыми фигурами. Многие выдающиеся ученые учились музыке: Альберт Эйнштейн играл на скрипке. Он даже писал в одном из писем, что если бы не было фуг Баха, то он бы никогда не пришел к формуле, выражающей эквивалентность массы и энергии. 70 процентов профессоров физики и математики Оксфордского университета являются членами музыкального клуба, а руководство компании Microsoft при приёме на работу отдаёт предпочтение сотрудникам с музыкальным образованием.

Классическая музыка, как и классическое искусство в целом, элитарно. Так было и будет всегда. Вы никогда не привлечете к нему 100 процентов населения. И, по-моему, этого делать не надо. Могу ошибаться, но где-то мне попадалась цифра, что только четыре процента людей увлекаются классической музыкой. Поэтому решите, интересно ли это именно вам.

Начинать необходимо с желания. В любом деле так. Вы хотите, например, научиться печь блины. Вам могут сто раз рассказать, как их печь, показать сам процесс, но, пока вы сами не разведете тесто, не выльете его на сковородку, не сможете перевернуть блин — не научитесь.

Как выбрать музыку?

— Способ первый: начать с композиторов, которые более «открыты» к новому слушателю. Это, например, Шопен, Григ, Моцарт, Чайковский. Их музыка просто красива, мелодична, она вас впечатляет сразу же на уровне эмоций. Для первого знакомства с классикой можно прийти на концерт из фортепианных сочинений Фридерика Шопена: вальсов, мазурок, ноктюрнов. «Времена года» Петра Чайковского и другие его фортепианные произведения доступны для восприятия. Они поэтичные и трогательные.

Можно начинать по-другому — с концерта вокальной музыки. Это могут быть арии из опер, романсы. Это музыка с текстом, которая сюжетно развивается. Поэтому новичку легче проследить ход мыслей автора.

Лучше всего начинать слушать классику с программной музыки — той, которая имеет название, литературную программу, сюжет. Например, можно послушать даже такого «сложного» композитора, как Ференц Лист. У его симфонической поэмы «Прелюды» есть программа, которую чаще всего печатают в специальных буклетах или рассказывают перед концертом. Можно и самим поинтересоваться и прочитать ее. Тогда вы все услышите! И мечты «героя» о любви, и как от отдыхает на природе от житейских бурь, и сами эти бури — грозные и воинственные, и как в конце он побеждает. Другие примеры такой музыки: «Картинки с выставки» Модеста Мусоргского или «Времена года» Антонио Вивальди. Программную музыку слушать и воспринимать намного проще, ведь можно следить за сюжетом.

Есть ещё один способ — искать свое, то, что понравится. Вообще хорошо бы сделать так, чтобы звучание классической музыки, которая вам, предположим, уже понравилась, звучала с вами постоянно. Вы побывали на концерте, состоящее из произведений, например, Шопена или Вивальди, после концерта создайте себе плейлист в телефоне, на компьютере и слушайте эту музыку фоном: дома, когда отдыхаете, готовите еду, занимаетесь гимнастикой, едете в машине на работу. Много музыки в 18 веке было написано именно для застолья, прогулок и бытовых дел. Например, Йозеф Гайдн «Музыка на воде» или сюиты Иоганна Себастьяна Баха. Окружите свое личное пространство классической музыкой и постепенно расширяйте круг того, что вам нравится, другими произведениями этих авторов.

Запомните: нельзя любить все жанры, все эпохи. Кому-то нравится звучание рояля, кому-то скрипки, а есть любители хоровой музыки. Начинайте с того, что нравится, и ищите своих исполнителей. Стивен Кинг в мемуарах «Как писать книги» говорил: «Если вы хотите научиться писать книги, вы, в первую очередь, должны их читать». Вывод: чтобы полюбить классическую музыку, надо не бояться ее слушать.

Наталья Горявенко. Фото белгородской филармонии

На что обращать внимание?

— Не надо пугаться того, что ничего не понял в музыке. Если тебе не понравилась месса Баха, то это не значит, что ты недостаточно хорош. Обращайте внимание на детали, старайтесь разобраться. Например, романсы Сергея Рахманинова. Вы слушаете текст, вам всё понятно. Но есть и пианист, который сопровождает пение. У него своя партия, и нередко он «досказывает» то, что уже пропел певец. Вслушайтесь в это!

Вы пришли на концерт из оперных арий Джузеппе Верди, а они звучат на итальянском. Вы не знаете текста, а ария большая, звучит минут пять. Например, ария короля Филиппа из оперы «Дон Карлос». Даже не зная, о чем поет баритон, вы при желании расслышите его скорбные, тяжелые размышления, душевные муки. Тут вы обратите внимание на его прерывающуюся речь, словно он неторопливо о чем-то размышляет, на медленный темп музыки, скорбное выражение лица у певца. Если это произойдет, вы начинаете сочувствовать ему. Вас тронули не слова — их вы не поняли — вас задела музыкальная атмосфера! А потом, конечно, если вам запала в сердце эта музыка, надо поинтересоваться, о чем он пел.

На концерте симфонической музыки перед вами оркестр. Обратите внимание, кто и как играет. Вас может увлечь какой-то исполнитель даже тем, как он извлекает звуки из своего инструмента, как двигается его тело. Обратите внимание на форму произведений. Вот отзвучала тема, началось ее развитие, вот тема вернулась, но в ином качестве, звучании, в новых тембрах. За всем этим можно следить и, одновременно, задавать себе вопрос, зачем эти изменения? На концертах симфонического оркестра, или концертах с солистом, я бы посоветовала брать билеты поближе к сцене — смотрите на музыкантов! Следите за солистом, его руками, как он извлекает звуки из инструмента. Это помогает и увлекает.

Мне всё равно не понятно

— Если в классической музыке что-то непонятно, то надо «копать» глубже. К примеру, Иоганн Бах. Его музыка полна тайнописи! У Баха есть «Токката и фуга ре минор», «Шутка», знаменитые клавирные или скрипичные концерты, которые нравятся всем с первого прослушивания. Но это малая часть баховской музыки, это даже не верхушка айсберга. Остальные его произведения сложнее.

Можно слушать любую из хоральных прелюдий, «Мессу», кантаты эмоционально, просто закрыв глаза и отдавшись потоку музыки. А можно иначе: с дополнительной подготовкой. Чтобы погрузиться глубже в понимание классической музыки, стоит узнавать новые факты о ней из дополнительных источников. Это повышает шансы на успех, более глубокий уровень восприятия классики.

Книги

— В поиске книг о музыке, нужно исходить из своего плейлиста. Вам нравится, к примеру, Шопен. Ищите книги о нем, о его жизни, судьбе, расширяйте свое представление о любимом, или пока понравившемся композиторе. Если вы прочтете книжку польского исследователя Ярослава Ивашкевича о Фридерике Шопене, то вы многое узнаете о нем. Кстати, есть замечательная серия «Жизнь замечательных людей».

Передачи и лекции

— Хорошо рассказывает о классике Артем Варгафтик, музыковед московской филармонии. У него был большой цикл лекций на канале «Культура». Он называется «Партитуры не горят». Ещё мне нравится Михаил Казиник. В интернете есть сотни его фильмов о музыке с привлекательными названиями «Эффект Моцарта», «Эффект Шуберта», «Тайные знаки культуры». Кроме того, у него есть серия книг «Тайны гениев». Все это очень доступно, увлекательно, классно!

Есть различные образовательные сайты: «Магистерия», Education, «Лекторий», группы во «ВКонтакте» по классической музыке, где размещаются лекции, рассказы о музыке и не только. Можете найти также уже переведенные выступления Леонарда Бернстайна, где он рассказывает о музыке. Послушайте лекции Татьяны Черниговской «Мозг и музыка». Вы узнаете то, как меняется наш разум под воздействием классики.

Московская филармония имеет специальный абонемент «Мама, я меломан» — это серии ночных концертов с предварительной лекцией о каждом. Их записи есть в интернете, на сайте московской филармонии. Зарегистрируйтесь и станьте слушателем этих лекций. Там музыковеды замечательно рассказывают о произведениях.

Что не стоит делать?

— Не слушайте мифы и не думайте, что вы не поймёте, что у вас нет слуха, а классика — это скучно. Чтобы слушать музыку или учиться музыке, не нужен какой-то великолепный слух. Такой слух важен только музыкантам. Хотя даже далеко не все композиторы имели его, но при этом стали великими. Как-то у Фредерика Стендаля я прочитала курьезный факт. Стендаль, рассказывал о своем знакомом, экспедиторе военного бюро, который имел абсолютный слух: «Вот скрипнет половица, а он тут же говорит „фа-диез“. Абсолютный слух! Но при этом этот экспедитор ненавидел музыку».

По-настоящему важна отзывчивость на музыку, желание реагировать на нее. В XX веке был такой замечательный австрийский пианист Артур Шнабель, он говорил: «Самое главное — это любовь к музыке. Любовь всегда дает некоторое знание. Но я никогда не слышал, чтобы знание давало что-либо, подобное любви». Надо просто слушать с желанием и любовью. Это искусство, которое само до вас дойдет и достучится.

Источник

Теория музыки

работа для музыкантов

репетиционные базы Москвы

форум текстовиков

форум барабанщиков

Все знают такой термин как «кач», каждый из нас наверняка произносил фразу типа «вот это качевая песня» или «не качает».
Но что-то я прихожу к выводу, что никто толком не знает что конкретно означает «кач».
Интересно услышать Ваше мнение!

sing, sing, sing, everybody start to sing like dee dee dee, bah bah bah dah
Now you’re singin with a swing
sing sing sing everybody start to sing like dee dee dee, bah bah bah dah
Now you’re singin like everything.

When the music goes around,
everybody’s gonna go to town.
But here is one thing you should know
Sing it high and sing it low.
Oh, sing sing sing sing everybody start to sing like dee dee dee, bah bah bah dah
Now you’re singin with a real good swing!

What good is melody?
What good is music?
If it ain�t possessing something sweet

It ain�t the melody
It ain�t the music
There�s something else that makes this song complete
(Bo dolled dolled do da. )

It don�t mean a thing if it ain�t got that swing
(do Do a Do ap.
Well it don�t mean a thing all you got to do is sing

It makes no difference if it�s sweet or hot
Just give that rhythm ev-ry-thing you got YES

It don�t mean a thing if it ain�t got that swing

It don�t mean a thing
It don�t mean a thing if it ain�t got that swing boy

I said it don�t mean a thing and all you got to do is sing

Now it makes no difference if it�s sweet or hot
Just give that rhythm ev-ry-thing you got OHH
It don�t mean a thing boy, if it ain�t got-a-that-a-swinga

Так каков ответ на это вопрос?:
> «кач» качем, но как это качество музыки называют англоязычные?

>каждый вкладывает свой смысл
потому, что это жаргон.

>Так каков ответ на это вопрос?:
>> «кач» качем, но как это качество музыки называют англоязычные?
По другому. Не обязательно у них должно быть слово, которое употребляется в тех же случаях, что у нас «кач». Я думаю, что там разные вариации в зависимости от ситуации или музыки, которая «качает».

> интересные ритмические фигуры + «цепляющие» мелодические линии.
Если «кач» заложен в самой композиции и аранжировке как ритмической взаимодействие различных партий (разумеется подразумевается соответствующее исполнение), то «они» называют это грувом. Хотя это слово также имет много значений и толкуется по разному:

>Может дело просто в хорошем студийном сведении (с Ли Ротом) против концертной версии?
Не в сведении, а просто в хорошем звуковом контроле. Они слышали себя нормально, от этого и игра на уровне. А на концерте звук плохо выставили может быть, вот они Вас и не закачали.

>Если «кач» заложен в самой композиции и аранжировке как ритмической взаимодействие различных партий (разумеется подразумевается соответствующее исполнение), то «они» называют это грувом.
Вариант! Думаю один из..

Можно и из-за такта играть. но пробовать чуть позже бита.
Чувство это придет.
Так сказать с этого начинать.

Groove is the sense of propulsive rhythmic «feel» or sense of «swing» created by the interaction of the music played by a band’s rhythm section (drums, electric bass or double bass, guitar, and keyboards). The term is mainly used in the context of genres outside of Western art music, such as funk, rock music, power groove, fusion, and soul.

While some musicians have called the concept of «groove» a subjective and elusive notion, they acknowledge that the concept is well-understood by experienced musicians at a practical, intuitive level. Funk and Latin musicians refer to «groove» as the sense of being «in the pocket», and jazz players refer to groove as the sense that a jam session is really «cooking» or «swinging.»

Musicologists and other scholars began to analyse the concept of «groove» in the 1990s. They have argued that a «groove» is an «understanding of rhythmic patterning» or «feel» and “an intuitive sense» of «a cycle in motion» that emerges from «carefully aligned concurrent rhythmic patterns» that sets in motion dancing or foot-tapping on the part of listeners.
Description

Like the term «swing», which is used to describe a cohesive rhythmic «feel» in a jazz context, the concept of «groove» can be hard to define. Indeed, some dictionaries use the terms as synonyms: «Groovy. [d]enotes music that really swings.»[1] Marc Sabatella’s article Establishing The Groove argues that » groove is a completely subjective thing.» He claims that «[o]ne person may think a given drummer has a great feel, while another person may think the same drummer sounds too stiff, and another may think he is too loose.»[2] Similarly, a bass educator states that while «[g]roove is an elusive thing» it can be defined as «what makes the music breathe» and the «sense of motion in the context of a song.»[3]

In a musical context, general dictionaries define a groove as «a pronounced, enjoyable rhythm» or the act of «creat[ing], danc[ing] to, or enjoy[ing] rhythmic music.» [4] [5] Steve Telehus explains the «groove» as the point in this sense when he defines it as a point in a song or performance when «even the people who can’t dance wanna feel like dancing. » due to the effect of the music.

Bernard Coquelet argues that the «groove is the way an experimented musician will play a rhythm compared with the way it is written (or would be written)» by playing slightly «before or after the beat.» Coquelet claims that the «notion of groove actually has to do with aesthetics and style»; «groove is an artistic element, that is to say human. and «it will evolve depending on the harmonic context, the place in the song, the sound of the musician’s instrument, and, in interaction with the groove of the other musicians», which he calls «collective» groove.»[6] Minute rhythmic variations by the bass can dramatically change the feel as a band plays a song, even for a simple singer-songwriter groove. [7]
==============
и так далее.

Источник